UNA NOCHE EN EL MUSEO... DE CIENCIAS

NIGHT AT THE MUSEUM tiene sabor de clásico. Una comedia sencilla, cómplice y buena nota que me hizo reconciliarme con la vida y con todo lo que Hollywood es capaz de hacer en un momento particularmente aciago, poco después de las elecciones que ganó Chávez en diciembre de 2006. Desde que la vi aquella tarde en el Cines Unidos Galería Ávila de San Bernardino, tuve una obsesión: ¿cómo sería una película similar, pero que se desarrollara dentro del Museo de Ciencias?
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Finalmente este sábado 29 de septiembre, luego de casi 10 meses de postergaciones, me decidí a visitar el Museo de Ciencias con mi cámara. Lamentablemente, las anclas de mi imaginación no encontraron demasiados puertos para fondear. Corren malos tiempos para el Museo de Ciencias, con muchas de sus salas cerradas. Se echan de menos exposiciones atractivas como los dinosaurios animatrónicos de Víctor Chang y la megafauna con los huesos de tortugas gigantes, mastodontes y megaterios. También me ladillan un poco los slogans socialistoides al estilo: "Una naturaleza y una sociedad en transformación".
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Básicamente lo que se ve allí hoy son dioramas de la fauna-flora de un tepuy, de una selva tropical y de los llanos, así como algunas bestias africanas disecadas. Y quizás lo más interesante de todo: una muestra de los animalejos silvestres que se las arreglan para sobrevivir en los alrededores de Caracas.
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Aquí, un típico mono ladilla como el de NIGHT AT THE MUSEUM, en este caso, un babuino. Qué carita de jodedor y mosquito muerto intrigante:

Con este simpático puercoespín también se podría tejer alguna subtrama cinematográfica:
La jirafa, a la izquierda en este mosaico, es la única criatura monumental que subsiste hoy en el Museo de Ciencias:

Por alguna razón desconocida, durante mi visita, esta chica que concursa en algún certamen de belleza semiclandestino se puso su banda de miss y posó con los dioramas del Museo de Ciencias como telón de fondo. Ella podría ser nuestra Carla Gugino:

Coctel de camarones con salsa rosada el Día de la Secretaria en el restaurante Le Francesito

A propósito de la reciente celebración del Día de la Secretaria, repasé COCTEL DE CAMARONES (1984), de Alfredo J. Anzola. Una comedia coral costumbrista venezolana acerca de las patéticas ceremonias del último viernes de septiembre (los ramos de flores más horrorosos, los almuerzos en restauranticos tipo Hato Grill con pianito de fondo y cestica de pancito) y las situaciones encorbatadas de cachos que suelen rodear al oficio secretarial. El restaurante Le Francesito hace de cuartel general. La película de Anzola es algo fallida y deja numerosos cabos sueltos, aunque como todo filme venezolano de finales de los 70 y principios de los 80, puede conmoverme hasta las lágrimas como invalorable documento del extinguido país cuartorrepublicano de mis años de infancia.

Pocos se han dado cuenta, pero COCTEL DE CAMARONES tiene una escena escondida después de los créditos finales en la que el pianista de Le Francesito se percata de que se ha quedado solo en el restaurante.

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1. Agente de seguridad de transporte de caudales invitado a comer un postrecito, todavía con la servilletica puesta, acciona su arma de reglamento.
2. Recepción de hotel que se me hace muy similar al New Jersey de La Candelaria, cerca de la Cruz Roja. Aunque acabo de pasar por allí y creo que no es.

3. Un imberbe Alejandro Corona recibe el consejo que todos hemos escuchado de un viejo verde cuando entramos como pasantes a una oficina: "Pide cuca, que por lo menos una te la va a dar. Si logras un promedio de 1 sobre 10, estás resuelto".

4. Chamito en una camionetica por puesto con franelilla marca PONY.

5. El artista plástico Rolando Peña interpreta al clásico ejecutivo barbudo sabrosón de voz engolada súper perfumado tomador de brandy con Kalua escuela José Alberto Mugrabi de ésos que se sentían capaces de levantárselas a todas.

6. Motel Panorama, uno de los que aparecen en un recorrido de una pareja busca-cuarto que abarca Plaza Venezuela, los Altos Mirandinos y el Litoral Central.

7. Alejo Felipe con safari, prenda de vestir masculina característica de la estética herreracampinista. Formal e informal a la vez. En mi casa hay una foto de estudio en la que aparecen mis dos hermanos y yo, todos vestidos de safari.

8. Hotel matadero Yare. Ubicación desconocida.

9. Las teticas más familiares y adorables del cine venezolano. Elba Escobar como la secretaria Sonia Alicia. El lunes vi de nuevo a Elba en persona en el CSI y todavía en 2007 daría cualquier cosa por invitarla a una playa de topless.

10. Victor Cuica como el cocinero Máximo: "Perdóneme, pana, pero ahí había una culpabilidad".

11. Luis Rivas y Alejo Felipe con una bolsita con el viejo logo de Cada que me hizo llorar.

12. Imperial perspectiva del hotel Meliá Caribe de Caraballeda con un autobús de la vieja guardia.

13. OJO, ESCENA PIONERA DEL MARIACHI DE ROBERT RODRÍGUEZ: UN ATRACADOR ESCONDE UNA METRALLETA EN EL ESTUCHE DE UNA BANDOLA.

14. Cameo de Alba Roversi y Miguelángel Landa interpretándose a sí mismos. Llegan a Le Francesito, pero no hay mesa disponible.

15. Basilio: el parquero Peter Pan.

16. Automercado Cada de Alto Prado. Trataré de pasar por allí la próxima semana para hacer una foto desde la misma perspectiva.

17. Línea de Alejo Felipe: "Aquí nadie en este lugar duda de tu capacidad para preparar el sofrito".

18. Elisa Escámez se apoya en el espaldar de la silla en una escena clásica: los comensales del restaurante, ya paloteados, entran en confraternidad cuando se ponen a cantar: "Una rosa pintada de azul / es un motivo"...

19. La siempre sexy Jenny Noguera hace de cajerita mami del restaurante.

Adivina la peli antes del martes 02-10 y gánate un quemao (*)

E stoy seguro de que esto se lo va a llevar alguien con iniciales LEC:

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"¿Estáis preparados, chicos? Ahora vamos con las... ¡erecciones generales!"

"Si me vuelves a decir pequeña, te araño"

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(*) Algunas restricciones aplican

Se decreta que el cielo es de color rojo

"Dicen que en el gobierno anterior el hombre era explotado por el hombre.

Pero ahora, después de la revolución, es a la inversa"

(Ralph Fiennes)

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LAND OF THE BLIND (2006)
Director: Robert Edwards
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Qué brutalidad de sátira política. Te deja en el suelo. Dictador populista represor pornófilo de derecha que se cree director de cine —cuenta con su propio montador esclavizado— y que aspira a la reelección eterna (Tom Hollander), con una primera dama tarotista (Lara Flynn Boyle), es derrocado por un guerrillero de izquierda (Donald Sutherland) que prometía democracia, pero que termina imponiendo un régimen fundamentalista ayatólico en el que se transmiten cadenas con lecturas de la Biblia, se impone la burka para las mujeres, se prohiben las revistas de teticas, las películas de acción y las corbatas, el calendario arranca desde el año cero a partir de la revolución, se cambia la luz de los semáforos para que el rojo signifique "adelante" y se decreta que el cielo es de color rojo. Pero con revolución o sin revolución, igual se transmite Friends. LAND OF THE BLIND es 100% pertinente a propósito de la actualidad venezolana y la conclusión a la que uno llega es que aquí nos ha tocado lo peor de los dos mundos.

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El comienzo es jocoso, pero a medida que avanza, LAND OF THE BLIND se va volviendo más opresiva, pesimista, aguda y demoledora. Grande, grande película. Ralph Fiennes es el "tuerto" al que alude el refrán incompleto del título: el carcelero del régimen opresor que luego apoya al golpe de Estado de izquierda y que termina volviendo a la prisión, ahora como reo: uno de los hijos tragados por la revolución. Conclusión: no existe poder benéfico y la coherencia es el antídoto para escalar en política.

Edward Furlong, poeta maldito

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JIMMY AND JUDY (2006)

Directores: Jon Schroder y Randall K. Rubin

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Una película maldita con un actor maldito y prodigio de una naturaleza podrida: Eward Furlong, el ex niño de TERMINATOR 2, fantástico, gigantesco, irresistible e irreductiblemente libre con sus kilos de más y su expresividad imposible, tan similar a la del venezolano Luis Fernández. Espíritu indie en todo su esplendor: BONNIE & CLYDE, pero con el frenesí sordo y sombrío de los tiempos de las masacres de Columbine y Virginia. JIMMY AND JUDY se narra íntegramente a través de una técnica de cámara de video casero que está en las manos de Furlong —obsesionado por documentar una vida que no conocerá la adultez— o de de Rachael Bella, la actriz con un lejano aire a Rachel Weisz con la que Edward se casó y tuvo un hijo después de rodar esta película.

Por lo menos un trío de escenas antológicas: Furlong grabando a escondidas a sus padres, que practican sexo sadomasoquista con intercambio de roles de géneros; Furlong parodiando reacciones psicóticas al recordar su terapia con un psicólogo y toda la escena en la que Rachael Bella le rapa el cabello a Furlong para cambiar de apariencia y confundir a la policía. Furlong como Furlong.

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Ciencia ficción animada francesa de alto contraste

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RENAISSANCE (2006)

Director: Christian Volckman

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RENAISSANCE es el equivalente francés de experimentos animados del estadounidense Richard Linklater como WAKING LIFE y A SCANNER DARKLY (actores reales fotografiados y convertidos digitalmente en acuarelas), con la diferencia de que esta película de ciencia ficción escuela BLADE RUNNER es 100% en blanco y negro y con alto contraste, prácticamente sin grises. Sólo hay una imagen en colores, que se observa en el mosaico de arriba. Por supuesto, no faltan ni la Torre Eiffel ni la Catedral de Notre Dame. Ya saben cómo son los franceses.
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La verga cansa un pelo la vista, sobre todo si eres un miope con lentes culo de botella como yo, y la historia a uno le parece haberla visto bastantes veces: Karas, policía rudo de vieja escuela, de origen argelino y métodos poco ortodoxos, enfrenta a malvada corporación privada llamada Avalon que experimenta con la ciencia genética para llevar supuesta salud, belleza y felicidad a la raza humana. Mensaje algo moralista y conservador típico de nuestros tiempos de miedo a lo nuevo. Sin embargo, por supuesto que RENAISSANCE es una experiencia visual interesante.
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Abajo, un espectacular holograma que anunciaba un local de prostitución de los arrabales de la Ciudad Luz. A mí me hizo sentirme Homo Erectus.
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Las sonrisas de ultratumba de Forest Whitaker

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Hace poco veía A LITTLE TRIP TO HEAVEN (2005), una peliculilla prescindible de suspenso en la que Forest Whitaker trabaja como detective para una agencia de seguros. Aparte de Julia Stiles, me llamó mucho la atención la última escena, de tono onírico-esotérico, en la que Whitaker envía una sonrisa amable desde el Más Allá. Hace 15 años vimos algo muy similar en CRYING GAME (1992) de Neil Jordan. ¿Homenaje o coincidencia? La verdad es que esa sonrisa me pone los pelos un poco de punta.
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Western de Chow Yun Fat patrocinado por Chivas Regal

PEACE HOTEL (1995)

Director: Wai Ka Fai

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Me acabo de enterar de que este western made in Hong Kong y con cantinas tipo Condorito es de 1995, lo que desanima un pelo, pero ya que tengo la nota montada, pues prosigamos. Moraleja misógino-optimista, que me hizo recordar el capítulo de Los Pitufos en el que Papá Pitufo creaba a la Pitufina y sembraba la discordia en la aldea: el sexo femenino está asociado al caos, pero qué aburrida es la ausencia de ese caos.
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El Asesino (Chow Yun Fat), matón de matones que pasa a la jubilación, abre el Hotel de la Paz, suerte de establecimiento-embajada-refugio neutral en el que nadie puede irrumpir para capturar a un perseguido. Los criminales o refugiados que se alojen en el Hotel de la Paz deben, sin embargo, cumplir severas normas: cero prostitución, cero juegos de azar, etc.
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La paz se acaba cuando se aparece en el lobby Lam Ling, prostituta, mitómana, ladrona y jugadora compulsiva. El rígido, disciplinado y monacal Asesino, que se resiste a tener sexo con Lam Ling a pesar de que ella se le ofrece con total apertura de extremidades inferiores, termina sucumbiendo y quebranta por ella una de las reglas sagradas del hotel: quien traspase sus puertas para abandonarlo, pierde toda protección. La cosa termina en plan de lloradera un poco patética.

Los whiskicitos de la cantina del hotel, cortesía del patrocinante Chivas Regal:

EL COLUMBO DE ESTOCOLMO

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Vaya usted a saber cómo carajo llegó a la esquina de Plaza España, en la avenida Fuerzas Armadas, un capítulo de una serie policial sueca de películas para TV (cada una de 90 minutos). Se llama BECK, suma más de 24 episodios desde 1997 hasta la fecha y los protagonistas son el impertérrito Martin Beck, detective de Poli-Estocolmo (Peter Haber) —un verdadero bloque de hielo ártico— y su despechado asistente Gunvald Larsson (Mikael Persbrandt).
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Y ustedes, diáfanos lectores, se preguntarán como yo me pregunté: ¿la policía tiene trabajo en un país nórdico? ¿Hay páginas de sucesos en los periódicos nórdicos, con sus respectivos Sandra Guerrero o David González? Pues por lo que muestra esta película para TV, al parecer los suecos descargan su violencia puertas adentro. Este capítulo trata sobre hombres que se excitan golpeando a sus esposas o amantes. Sin embargo, resulta sumamente conmovedor el pudor con el que los policías suecos sujetan sus pistolitas de juguete: es como que les temblaran las manos al portarlas, tal debe ser la repulsión y la extrañeza que inspiran las armas de fuego en este país. Y las reuniones de trabajo de los detectives suecos son tan asépticas y pulcras que parecen juntas corporativas de Procter & Gamble. Menos mal que Román Chalbaud no rodó CANGREJO en Estocolmo.
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En el mosaico de abajo, algunos detalles:
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1. El doble del actor Mikael Persbrandt, señalado con flecha amarilla en el gran plano general, salta un pequeño abismo en el stunt más arriesgado de toda la película;
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2. Mikael Persbrandt con una pistolita de juguete que le quema las manos;
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3. Popular comiquita de fantasmitas en la televisión sueca;
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4. Hermosa patrullita de Poli-Estocolmo.
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Adivina la peli antes de que llegue octubre y gánate un quemao

Vamos, esto es un tiro al suelo... Más fácil imposible.

Les estoy regalando un DVD, pues.

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"¡A ninguno de ustedes se le está permitido morir sin haber aniquilado antes al menos a 10 enemigos!"

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"¿Conoce usted a Mary Pickford o a Douglas Fairbanks?"

Infeliz Yom Kippur

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Debido a la fiesta judía del Yom Kippur que coincide con este fin de semana de nuestro calendario cristiano, me puse a ver KIPPUR (2000), de Amos Gitai, peliculín de Israel que conseguí donde los ajedrecistas del elevado de la avenida Fuerzas Armadas. SALVANDO AL SOLDADO RYAN en Tierra Santa. Lo digo con ironía, porque aunque sé que Gitai es un grande del cine israelí, KIPPUR me pareció un absoluto desastre.

El marcusista Winraub (Liron Levo) y el pelirrojo Ruso (Tomer Ruso), dos amigos vinculados a lo universitario y/o artístico, van a pelear la guerra del Yom Kippur en 1973 y terminan empleados en un tipo invisible de guerra: la de rescatar a los heridos en el frente y regresarlos a casa.

Grave ausencia de un buen editor. Un producto de interminables 117 minutos que pudo haber sido un cortometraje de 15. Una cosa es pretender plasmar el absurdo y los ratos muertos de la guerra ("cada día de combate dura un siglo") y otra torturar al espectador con tediosas escenas de cinco o más minutos que acentúan la escasez de recursos de una película bélica en la que no hay presupuesto ni para una sola explosión.

La asesina de los bolibombas

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MING MING (2006)

Directora: Susie Au

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"¿Qué es lo que quiero? Un momento inolvidable"

(Ming Ming)

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* Hong Kong me hace feliz. Por sus experimentos de estilización y narrativa con el cine de acción. Por ser un punto de partida para navegar y perderse por los lados del Mar de la China Meridional. Esta película se consigue por estas calles con el título de MING, LA MORTÍFERA. La protagonista Ming Ming (Zhou Xun) tiene un aire a Caridad Canelón joven. Viste siempre de negro y su arma característica es el lanzamiento con los dedos a la velocidad del rayo de pequeñas bolitas de metal; mi hermano mayor era igual cuando le disparaba a los gatos en los tejados con ligas elásticas dobles y pequeños trozos de cables en forma de "V". Infalible. Ming Ming utiliza en sus lanzamientos mortíferos, inclusive, el equivalente a nuestros chicles Bolimbomba.

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* ¡Ah! Pero resulta que lo que comienza como una película más de acción (105 minutos) con una carajita sexy que lanza bolitas de metal va derivando hacia algo mucho más equívoco, melancólico y desconcertante. Porque Zhou Xun hace un papel doble: como Ming Ming y como Naná, una chica con el cabello teñido de zanahoria que aparentemente no pinta nada en esta historia, en la que también están involucrados el imponente gladiador D (Daniel Wu) y el veloz corredor Tu (Tony Yang). Los villanos son un Hermano Gato y un Ratón. Y al final desaparecen las bolitas de metal. Y MING, LA MORTÍFERA se convierte en una colección de amores frustrados, desencuentros, cajas de Pandora que se destapan en sufrimientos, personajes ambiguos, gatos con el sexo cambiado y fugaces raticos de felicidad. Ejemplo: Naná recostando su cabecita, cansada, en la espalda de Tu.

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* El cine es experimentar sensaciones que quizás uno nunca podrá vivir. Para entender un poco más esta película tuve que verla dos veces, algo que desespera un poco cuando tienes 250 DVD en la cola, pero igual seguiría poniendo MING, LA MORTÍFERA para repasar y degustar sus pequeños detalles: una bola de fuegos artificiales que explota silenciosamente en la lejanía del cielo de Shanghai al mismo tiempo que Ming Ming estrella uno de sus perdigones dactilares en el cuerpo del enemigo; las callejuelas abigarradas e inclinadas de Hong Kong; una llegada a Shanghai en barco por vía marítima, con sus edificios históricos iluminados en tono dorado; una escena de sexo en una bañera con dos amantes que en realidad parecen estar peleando entre las ráfagas de agua; la perfección técnica en la fotografía del Hermano Gato que nada de noche en una piscina; un casco de motorizado que gira después de que Ming Ming lo arroja; donuts en un cuartucho de hotel; una banda sonora totalmente moderna y divertida que oscila entre el tecno y el tango.
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Bella, bella y rara película con una reflexión final: "El mundo es ideal para vagar de un lugar a otro". Díganmelo a mí, que escribo esto desde un cybercafé con cucarachas de La Victoria, estado Aragua, sin razón alguna para estar aquí.
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* Nota: la película del más reciente concurso que se quedó desierto era OSAMA(2003), del cineasta afgano Siddiq Barmak, que ganó el Globo de Oro como mejor cinta en lengua extranjera y que narra el drama de una niña obligada a simular que es un niño en el régimen talibán. Mañana debe estar publicada una nueva adivinanza.

Santa Eiko Ishioka de Jesús

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TERESA: EL CUERPO DE CRISTO (2007)

Director: Ray Loriga

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"Su ansia de conocimiento es mucha. Tanta, que en mujer asusta"

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Eiko Ishioka (Tokio, 1939) fue la diseñadora de vestuario de BRAM STOKER'S DRACULA (1992) y THE CELL (2000). Es decir, Diosa-Madre-en-la-Tierra con tijera y alfileres. Salve, Maestra. Su más reciente colaboración cinematográfica es esta biografía española de Santa Teresa de Jesús (1515-1582), doctora de la iglesia católica, excepcional autora mística y fundadora de las carmelitas descalzas. Nada más por Ishioka hay que ver esta película, de la que circula una copia en DVD más que aceptable.

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El trabajo de Ishioka es notable sobre todo en la primera mitad de los 92 minutos de película; luego el filme de Ray Loriga disminuye en audacia visual y el hábito tradicional se impone en Paz Vega, aunque siempre queda su gran amiga aristócrata Doña Guiomar (la hermosa Leonor Watling) para el despliegue de trapos. No sé si es casual, pero en algunos acordes, la música de Ángel Illarramendi se parece a la de Wojciech Kilar en BRAM STOKER'S DRACULA. El alto pana Eusebio Poncela hace de beato intrigante.

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TERESA se queda a mitad de camino. Es una película de talante pictórico, con escenas muy cortas que generalmente no duran más de un minuto. Los créditos del comienzo son realmente hermosos. Pero Ray Loriga no se atreve a ir más lejos en su propuesta visual (entiendo que no es tan fácil en estos tiempos), que al principio insinúa francas escenas carnales en la imaginación mística de una Teresa que se considera la esposa de Cristo. Y TERESA termina siendo profundamente conservadora. También hay que tomar en cuenta que en la España del siglo XV fundar una orden de monjitas era toda una proeza de liberación feminista.

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"Las mujeres son de mucha imaginación y poco orden. Iluminadas, brujas, alumbradas. Son todas una y lo mismo"

(El provincial de la Inquisición)

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Como se observa más abajo, Santa Teresa de Jesús no era precisamente parecida a Paz Vega. Pero esa es la magia del cine.
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Un karma de muy buen ver

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HIMALAYA: L'ENFANCE D'UN CHEF (1999)

Director: Eric Valli

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"Un verdadero jefe empieza desobedeciendo"
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Esta película dirigida por el francés Eric Valli representó a Nepal como postulada al mejor filme en lengua extranjera en el premio Oscar de 2000, y la conseguí cerca de lo ajedrecistas del elevado de la avenida Fuerzas Armadas. Lamentablemente, la copia está doblada al español. La historia se desarrolla dentro del seno del pueblo Dolpo en Nepal. Tinle (Thilen Lhondup) es el anciano y testarudo jefe de una tribu del Himalaya que vive del comercio de sal con caravanas de yaks. "Hemos sobrevivido siglos con nuestra sal y nuestros dioses", asegura. El joven y apuesto Karma (Gurgon Kyap), un racionalista que desprecia la parálisis religiosa de sus antecesores, es su sucesor natural, pero entra en rápido conflicto con el conservador Tinle, ya que además estuvo involucrado en la muerte de uno de sus hijos. Karma forma su propia caravana outsider de sal, a lo que responderá Tinle organizando una caravana conducida por el establishment de los más viejos del pueblo. Esta película tiene algo que uno está muy poco acostumbrado a ver, y es que todos los conflictos se resuelven con debates racionales, sin que se recurra jamás a ningún tipo de violencia. Eso impresiona. Pero HIMALAYA no deja de ser una idealización escrita y dirigida por europeos; yo no me creo ese cuento de que los tibetanos y los nepaleses son siempre los tipos más bondadosos y sabios del mundo. Otra cosa que impresiona de HIMALAYA es la rara y extraordinaria belleza de sus actores; empezando por Passang (Karma Wangel), el niño al que hace referencia el título, una de las criaturitas más lindas que he visto jamás en una pantalla. También los adultos que se aprecian en el mosaico de abajo: Karma; su futura novia Pema (Lhakpa Tsamchoe); y Norbou (Karma Tensing), el hijo menor de Tinle que optó por el sacerdocio. Finalmente, HIMALAYA es también un homenaje al yak, el peludo bovino típico del Himalaya que fue uno de mis animales favoritos de la infancia.
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Adivina la peli de primerito antes del 20-09-2007 y gánate un quemaito

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"Escoge: ¿cuál candado te gusta más?"

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(Comentario en el juicio de una extranjera condenada a lapidación)

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¡Cúbrete los pies! ¡Provocarás a los hombres!
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NOTA: a quienes tengan películas pendientes, se agradece un pelo de paciencia debido a problemas con mi PC. Y a los fanáticos de Tin Tan, prepárense para una bonita sorpresa.

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No se ha notificado un coño al Indecu.

¿Por qué engañan?

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La buhonería es una institución nacional más confiable que la iglesia, el ejército o los medios, pero siempre hay ovejas negras. Cuando estaban a punto de estrenar en cine EL CÓDIGO DA VINCI, pusieron a circular una carátula con Tom Hanks y un DVD adentro de... el documental CRACKING THE DA VINCI CODE.

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En el pasado les hablé de la película japonesa AZUMI (http://correiacine.blogspot.com/2007/04/azumi-2003-ryuhei-kitamura.html), no apta para babosos sin pareja que pasan los 30 años de edad, y de su desastre de secuela. La cosa al parecer ha tenido éxito, pues los buhoneros criollos han puesto a circular una AZUMI 3 que no existe en la realidad. O sea, no se ha filmado todavía ninguna tercera parte. Lo que está circulando es SHURA YUKIHIME, un filme nipón del año 2001 con una historia similar (huerfanita-forma-parte-de-pandilla-de-asesinos; luego trabaja para la causa del bien; nunca conocerá los placeres del amor carnal). Pero en vez de anbientarse en el Japón feudal, se sitúa en un Japón futurista decadente tipo Mad Max.

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SHURA YUKIHIME es francamente mala. La protagonista Yumiko Shaku (al princesa Yuki, cuyo maestro se llama Yuka) es bonitica, pero sus griticos son intolerables. En una escena en la que está inconsciente le pegan un latazo lésbico. En otra, come sabrosos gusanitos llenos de proteínas para recuperarse después de que le atraviesan la mano como un estigma de Cristo.

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Engaño 2

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Fue más terrible. En un puestico de un buhonero que tomaba cerveza y jugaba dominó en San José, cerca de la bajada hacia Cotiza, vi una carátula que anunciaba uno de los capítulos de la serie EL DECÁLOGO, del director polaco Krzysztof Kieslowski. Este martes 11 descubrí que lo que estaba adentro era una patética película mexicana de factura semi-aficionada lanzada directamente en video: SÍ MATARÁS: LA PRIMERA LEY DEL NARCO (2005), de Christian González. Es sobre un capo sabrosón que quiere vengar la muerte de su jevita que le montaba cachos. Sale una prostituta con una pierna enyesada que se masturba y luego se huele la mano, y y hay un gran despliegue sílico-tetístico de la actriz colombiana Jackie Vera. Toda la banda sonora la hizo un mismo carajo con un organito.

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Algunas líneas de diálogo:

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"Ahora te voy a enseñar el chipote chillón"
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"Déjale dos muelas, para que pueda morder el plátano"

DEVO(CIÓ)N AOKI

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"No compres quemaos de películas que se acaben de estrenar en el Primer Mundo, lo más probable es que sean copias chimbas de camarita coleada... Es preferible esperar un poco"... Desobedecí uno de los mandamientos del comprador de quemaos 3 x 10.000 bolos y adquirí WAR (2007), un duelo de titanes con Jet Li y Jason Statham.

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La copia, en efecto, era pésima. El tipo de la camarita coleada pasó como una hora tratando de acomodar el trípode. Pero como prácticamente todas las películas de Jet Li, el guión es bastante interesante. Trata sobre un asesino freelancer (Li) que no está ni con Chávez ni con el diablo, sino todo lo contrario, y cuya actuación profesional vendida al mejor postor desata la guerra en San Francisco entre la yakuza japonesa y las triadas chinas. Jason Statham es un jefe de policía que concluye: "Mátense entre ustedes, eso facilita mi trabajo". El desenlace es desconcertante y "rashomoniano".

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Si algo valió la pena ver esta copia chimba fue... Devon Aoki. Es la actriz-modelo neoyorquina de origen japonés y 25 añitos que apareció en RÁPIDO Y FURIOSO 2 y en SIN CITY. Una especie de Christina Ricci con los ojitos rasgados. Con el cabello oscuro se ve fabulosa. Tengo la teoría un poco superficial de que si naces con una carita así, tienes que ser bien estúpido para que algo te salga mal en la vida. El papel de Aoki en WAR (la heredera del clan Yanogawa)termina quedando un poco segundón y le falta alguna gran escena final de combate, aunque también percibo que es una forma de protegerla por parte de los guionistas para que termine invicta.

GOZO EN EL ALMA

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PERICO RIPIAO (2003)

Director: Ángel Muñiz

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Un clásico buhoneril. PERICO RIPIAO está en prácticamente todos los puesticos del centro de Caracas, y por lo que me he percatado, el pueblo la pide. Finalmente, me arriesgué y la compré, aunque el nombrecito asuste. Es una comedia de peripecias Made in República Dominicana.

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Tres prófugos rurales de mediados de los años 70, en tiempos de la represiva presidencia de Joaquín Balaguer: FRANCISCO (Raymond Pozo), comunista acusado de poner bombas (que no llegan ni a cocteles Molotov de tres lochas); MAURICIO (Manolo Ozuna), preso por mula y convertido posteriormente al Evangelio; y MANUEL (Phillip Rodríguez), el más blanco y amargado del trío, quien mató a un militar por acostarse con su mujer. Hay cierto trasfondo de denuncia política y muchísimo merengue de primera línea.

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Raymond Pozo, el Benjamín Rausseo dominicanox

Ciertos excesos radio-rochelescos en la caricaturización de algunos personajes. Y el comienzo aturde un poco. Pero PERICO RIPIAO termina funcionando como filme gracias, en un 99%, a la interacción, química y diálogos entre los tres protagonistas masculinos. Mi favorito es Raymond Pozo, un fenomenal actor de comedia, con un notable parecido físico con nuestro Conde del Guácharo, aunque de piel más oscura.
Algunas frases memorables, casi todas de Raymond Pozo:
* "Aquí no llega ni el chisme" (el equivalente a nuestro "Donde el diablo perdió la cola")
* "Este es un país rico, pero pobremente administrado"
* "Si no me lo tiro aquí, ¿dónde me lo voy a tirar?" (cuando Manuel le reclama por lanzarse una flatulencia en una letrina rural)
* "¿Pa' qué quiero que mi hijo aprenda español? El español sólo sirve pa' pedir"
* "¡Que viva Fidel! ¡Que viva el Ché! ¡Que viva Somoza! ¡Qué Somoza un coño, que viva Sandino! ¡Que vivan las hermanas Mirabal! ¡Que vivan todos nosotro!"
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A una vedette de burdel la apodan la Montaña de Puerto Plata, lo que me hizo pensar en Annie, una compañerita dominicana que tuve en primaria, negrita muy gorda pero sumamente culta y amable. El uso de la letra "S" es comiquísimo (la quitan cuando hace falta y la ponen cuando sobra) y en PERICO RIPIAO escucharemos cosas como "Utensilios alguno", "Glorias a Dios" y "Esto son comunista". Hay una escena de evangélicos en la que cantan el superhit "Yo siento un gozo en el alma", y dicho esto, poco más le puedo pedir a una película.
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La elaboración de toda una mitología alrededor de PERICO RIPIAO es una de sus claves de arrastre popular: dura poco menos de 90 minutos, pero hay que agregarle más de una hora de bloopers, escenas borradas, el detrás de las cámaras y raciones extras de jammings interminables de merengue. Como dato de cultura general, el director Ángel Muñiz participó como actor en el drama migratorio UN PASAJE DE IDA (1988), de Agliberto Meléndez, quizá la película más famosa hecha en Quisqueya.
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"Como decían los Tres Chiflados: todos para uno y uno para todos"

Adivina la película de primerito y gana un DVD quemao gratis (IV)

"Estoy comiendo papel, señorita. No es muy apetitoso, pero sirve para engañar al hambre. Lo hacen con pulpa y corteza suave de los árboles: no puede ser demasiado malo".

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"¡Es preferible la muerte a esta abyecta promiscuidad!"

El amor no se puede acabar... siendo amor de verdad

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JUNGCHEON (2006)

(RESTLESS) (EL PROTECTOR)

Director: Cho Dong-Oh

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Changbushing, ínsolito personaje de loca que aparece a partir del minuto 64; como todo gay, estupendo confidente y consejero.

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Wuxia en versión surcoreana, es decir, película de acción y fantasía situada en un pasado difuso, generalmente con espadas dotadas de personalidad y escenas de gente que pelea suspendida en el aire. Se rodó en China continental. Dura 1 hora y 45 kamikazes de Dios. Conseguida en los nobles parajes de San José, Caracas, donde bien se podría filmar una wuxia. En la carátula, extrañamente, no aparecía el despeinado héroe, sino el villano diestro con las dagas (segundo mosaico, foto inferior izquierda).

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Los dos actrices femeninas principales son hermosas, sobre todo la mala (vestida de roja rojita). Muchas imágenes también hermosas, sobre todo la concepción seudo-futurista del Medio Cielo. El punto de partida de la historia, realmente hermoso y sugerente: el gigante melenudo Yi Gwak, un guerrero vagabundo chuyongdae (asesino coreano de demonios), cae envenenado y asciende al Medio Cielo, equivalente a nuestro purgatorio cristiano, donde las almas habitan 49 días antes de ser aceptadas en el Cielo. Allí encuentra a la princesa So Hwa, quien fue en la otra vida nada menos que Yon Hwa, la amada novia de Yi Gwak, quemada viva por una poblada que la acusaba de bruja. Pero So Hwa es una chuneen... un alma a la que le ha sido extirpada la tortura (y la bendición) de los recuerdos.

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El problema de EL PROTECTOR es que en algún momento se empieza a traspasar la frontera entre lo hermoso y lo ingenuamente empalagoso. ¡Dios mío, la escena final es cursi como la canción de "Cama de rosas" interpretada en español por Jon Bon Jovi! Y el personaje de So Hwa es tan idealizadamente femenino-cute que recuerda a Ángel, la Niña de Flores. ¡Tienen que ver su espadita blanca, toda cuchi, con mango adornado con plumitas blancas! ¡Tienen que ver un par de escenas en las que se defiende de los demonios lanzando millones de pétalos de rosas rosadas!

La música tampoco es muy buena, y la baladita pop que acompaña a los créditos finales es realmente patética... Casi como "quiero teneeer tu amoooor en una cama de rosas"... Igual, el protagonista Yi Gwak es digno, toscamente apuesto y adorable.
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Abajo, la espadita blanca con plumitas de So Hwa... Aquello no sirve ni para picar un pan andino
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Alianza sino-nipona

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HUO YUAN JIA (FEARLESS) (2006)

Director: Ronny Yu

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Esto lo anuncian en el circuito Cinex para los próximos meses. Protagoniza el siempre grato Jet Li. Circula una copia bellísima con subtitulos opcionales en inglés o español. Biografía de Huo Yian Jia, personaje real de la China continental de principios de siglo XX y fundador de la escuela de artes marciales Jing Wu. Me ladillan un poco las biopelículas que parten de antemano con la premisa de exaltar a alguien (por más arrecho que haya sido en la realidad) sin confrontarlo, como me pasa con la detestable cinta argentina LAS MANOS. Sin embargo, FEARLESS (o EL DUELO) se puede ver.

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Huo Yuan Jia (Jet Li), otrora niño asmático, es el peleador más arrecho de la ciudad china de Tianjin, cerca de Pekín, hacia 1907. Sin embargo, es pendenciero, malapaga, manirroto, parrandero, borracho y vanidoso. Por puras ganas de sacar la piedra, reta al combate a Qin, un rival local muy parecido al chef Sumito Estévez. Lo derrota y mata. Un discípulo de Qin, en venganza, despacha a la mamá y a la pequeña hija de Huo Yian Jia.

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Huo, deprimido, vaga sin rumbo hacia el campo y adquiere un aspecto idéntico al del vagabundo del Show de Joselo. Allí conoce a Yue Chi (Betty Sun), una cieguita muy sabia. Las escenas rurales con Huo y Yue Chi son verdaderemente hermosas, quizás mis favoritas de FEARLESS, sobre todo en lo que se refiere al uso lírico del agua y de la siembra de arroz.

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De regreso a Tianjin para honrar la tumba de sus familiares, en 1910, Huo Yuan Jia se encuentra con una ciudad cada vez más influida por los occidentales y su cultura, muchas veces en desmedro del orgullo nacional chino. Un abstemio Huo Yuan Jia retoma las artes marciales con un claro sentimiento nacionalista, aunque con nuevos preceptos: por ejemplo, evitar el abuso de la fuerza y honrar la vida del rival. En esta etapa conoce y entabla amistad con Anno Tanaka (el muy apuesto Shido Nakamura), peleador japonés traido por los occidentales para pelear con Huo. Ambos llegan a la conclusión de que ningún arte marcial supera a la otra, sino que todo depende de la disciplina y la personalidad del peleador.

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Ronny Yu, nacido en Taiwán de 57 años de edad, fue el director de mi muy adorada FREDDY VS JASON, que en su momento disfruté tanto en Los Angeles como en el Cine La Hoyada de Los Teques. También hizo en Estados Unidos LA NOVIA DE CHUCKY, aunque desconozco su amplia trayectoria previa en Hong Kong. FEARLESS es un homenaje a la esencia de las artes marciales tradicionales, sin exceso de efectos especiales.