30 enero 2008

Christina Ricci: colmado, turbado, lacerado

* Pensar todo diciembre y enero en Christina Ricci, de nuevo, después de verla en tacones medianos rojos en una copia doblada al español de I LOVE YOUR WORK (2003), reflexión críptica sobre la dualidad fama-anonimato. Hablar con una amiga acerca de la obsesión con Christina Ricci. Recibir de esa amiga fotos provocativas de Christina Ricci que nada aliviaban un incendio de impotencia. Christina Ricci no cuadra con fotos provocativas de blusas que se transparentan, es otra cosa mucho más compleja y dolorosa. Su cuerpo tiene algo de contrahecho, y sus senos desproporcionados dan la impresión de constituirle más una pesada cruz que una ventaja. Ver, justo unos pocos días después, y sin saber ni siquiera que allí actuaba Christina Ricci, una copia deficiente de BLACK SNAKE MOAN (2006), del director Craig Brewer. ¿Casualidad, o existe una fuerza que dirige un plan maestro?
* Qué aburrido se hace últimamente escribir como columnista de la revista de la revista Maxim. Qué aburrido es evidenciar morbo ante algo tan rutinario como la desnudez. Y aún así hay que decir que BLACK SNAKE MOAN es un compendio de todas las perversiones que siempre soñé que se perpetraran en la lunar humanidad de Christina Ricci, desde que la vi sometiendo con sadismo frígido a un hermanito menor en THE ICE STORM de Ang Lee —no llegué hasta ella por la vía familiar de CASPER o ADAMS FAMILY VALUES, que poco me atrajeron como espectador adolescente en su momento, aunque quizás todo hubiera desembocado en lo mismo—. Todas. Todas.
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* Rae (Ricci) es una prostituta de pueblucho que trata de enderezar una relación semi-seria con un recluta del ejército, Ronnie (Justin Timberlake). Pero apenas Ronnie se va para una práctica de tiro, Rae —ninfómana más compulsiva que festiva y máquina tragadora de pepas— vuelve a las suyas. Alcanza el sótano más bajo en el que pueda hundirse la condición femenina: un pellejo cloacal al que cualquier hombre puede hacer suya en plena calle. En esta película, Christina Ricci pasa 68 minutos vestida sólo con unas pantaletas blancas, o poco más que eso. En una escena que nunca se me olvidará por su perturbadora brutalidad, su torso apenas está cubierto por un protector de fútbol americano, luego fornican con ella en la grama como un animal callejero, luego le caen a coñazos dentro de un carro, la sacan de una patada como una bolsa de basura y la dejan tirada en pantaletas e inconsciente en una carretera.
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* Lazarus (Samuel L. Jackson), un guitarrista de blues evangélico, alcohólico y recién abandonado por la mujer, descubre a Rae tirada frente a su casa. La cura. Ella se recupera y lo tienta como el demonio para que la posea. Él se resiste estoicamente. Lazarus se ve obligado a amarrarla con una cadena de hierro para que ella pueda completar su terapia de abstinencia sexual y farmacológica. En un descuido, Rae se queda sola, se desnuda y la hace el amor a un niño que trabaja para Lazarus: una perversión cuya ruta ya había sido trazada 10 años antes en THE ICE STORM. Si BLACK SNAKE MOAN hubiera terminado en la escena en la que Lazarus toca la guitarra en una fiesta de negros y Rae se siente poseída por un éxtasis carnal inducido por la música demoníaca que ejecuta un hombre de fe, esta película sería muchísimo mejor. Más compacta y redonda. Pero se empastela con un epílogo que deja un tufillo algo evangélico.
* Muchos otros están obsesionados por esta niña mujer mitad italiana con rostro de luna que es capaz de despertar al mismo tiempo la inmensa ternura que por ella profesó Tim Burton en SLEEPY HOLLOW como una perversión infinita que tiene mucho de pedófila, y a la que ella parece prestarse sin ningún conflicto. Seguramente BLACK SNAKE MOAN se convertirá en una película de culto, y no tengo la menor duda de que será usada con explícitos fines de autosatisfacción, sobre todo con una copia óptima. BLACK SNAKE MOAN te deja colmado, pero al mismo tiempo, igual de lastimado, de desolado y de impotente que antes. Porque la sexualidad inducida por Christina Ricci no tiene mucho de gozosa o de fashionable, sino que es una sexualidad de malformación congénita. Una sexualidad maldita en la que el dolor y el poder juegan un rol más importante que el placer. En esos grandes ojos redondos y tristes alguien pudiera ver la ternura. Pero podría ser un espejismo. Quizás le dominaría un impulso superior de destruir la ternura.

25 enero 2008

El rey sin corona del porno blando

Hoy nadie se acuerda de Eddie Santiago. Tampoco de Zalman King. Si te ves sorprendido con unos amiguitos sin sensibilidad pop en una conversacíón nocturna en un automóvil que va por la Cota Mil, es 150% probable que se burlen de la salsa erótica. Puedes despreciar la totalidad de un subgénero cultural, pero si alguien lo dominó de cabo a rabo y lo usó hasta de papel toilette, le llamarás maestro. Así fue Eddie Santiago, quien tuvo las bolas de cantar versos como: "Hasta en sueños he querido tenerte devorándome / Y he mojado mis sábanas blancas recordándote / En mi cama nadie es como tú / No he podido encontrar la mujer / Que dibuje mi cuerpo en cada rincón sin que sobre un pedazo de piel". Y además pegó muchísimos otros temas inolvidables como "Lluvia", "Deseos", "Antídoto y veneno", "Qué locura enamorarme de ti", "Mía", "Insaciable", "Aquel viejo motel", "Tú me haces falta" o "Cada vez que pasas".
Zalman King (arriba), llamado en realidad Zalman Lefkovitz y nacido el 23 de mayo de 1942 en Nueva Jersey, Estados Unidos, es un hombre narizón y no precisamente atractivo. Para quienes a finales de los años 80 no teníamos buscadores de imágenes de Google y escuchábamos su nombre, aquel exótico Zalman —que sonaba a marca de condón— era el equivalente a un lubricante vaginal extraído de las páginas de un artículo sobre zonas (zzzzzz) erógenas en una Cosmopolitan leída a escondidas, con Lila Morillo topless en la portada. La letra "Z" se deslizaba (zzzzzz) como el colgantico de un baby doll por una clavícula.
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Zalman fue primero un actor de medio pelo que hizo apariciones —generalmente de un solo capítulo— en series de TV como Gunsmoke, Charlie's Angels, Bonanza, The Munsters y The Alfred Hitchock Hour. Lo postularon a un Globo de Oro como actor de reparto en la pantalla pequeña por The Young Lawyers. Produjo y coescribíó el guión de NINE 1/2 WEEKS (1986), que dirigió Adrian Lyne, y lo candidatearon a la Frambuesa de Oro en la categoría de peor guión. Corría (se corría) la era de las luces del porno blando, de las sábanas de satén y el saxofón. Si observan el mosaico de arriba, con los afiches de las principales películas que dirigió Zalman King, quizás se den cuenta de que nuestro hombre tuvo ciertas preocupaciones temáticas recurrentes. Entre ellas el besito en cuello como la llave maestra que derriba todas las multilocks del innato sentido femenino de la autoprotección.
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Zalman King es una especie de Ed Wood contemporáneo. En la base especializada de datos Imdb.com, ninguna de las películas que dirigió promedia más de 5 puntos en una escala de 10 de los votos de los lectores:
* WILDFIRE (1988), con la ultra-sexy Linda Fiorentino = 3,8
* TWO MOON JUNCTION (1988), con Sherilyn Fenn = 4,0
* WILD ORCHID (1990), con Mickey Rourke y Jacqueline Bisset = 4,0
* WILD ORCHID 2: TWO SHADES OF BLUE (1992) = 2,5. Esta película sobre una putica en ciernes que le quitaba la virginidad a un bello jugador de fútbol americano —en alguna escena, unos tipos malos la esposaban a la fuerza para violarla— es para mí inolvidable porque la vi escapado del liceo en el desaparecido Cine Parque Central. La primera C-16 de mi vida.
* RED SHOE DIARIES (1992), película para TV con David Duchovny = 4,9
* DELTA OF VENUS (1995), basada en una novela de Anaïs Nin = 3,4
* SHAME, SHAME, SHAME (1998) = 3,2
* WOMEN OF THE NIGHT (2000) = 3,7
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Zalman ha estado casado con la misma mujer desde 1963, la escritora y productora Patricia Knop. El cine de Zalman, en el fondo, siempre fue profundamente conservador. En general, las mujeres trasgresoras terminaban metidas por el carril y su perspectiva podía ser comparada a la de un dominico reprimido a quien sueltan en un local de striptease de la 4 de mayo en Margarita y quien hasta el día de la muerte se sorprenderá como un niño ante la abstracción de lo femenino. Quizás eso era lo más divertido y memorable de este rey sin corona. Lo último que ha hecho el pobre de Zalman —devenido en homeless de la industria— fue un documental de 2006 sobre el espectáculo cabaretero The Toledo Show de Los Angeles, DANCE WITH THE DEVIL. Algunos nunca lo olvidaremos.

24 enero 2008

¡Y DALE CON EL GENGIS KAHN!

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Монгол (MONGOL) (2007)
Director: Sergei Bodrov
Kazajistán-Mongolia-Alemania-Rusia
108 minutos
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Esta bella jovencita de aquí abajito se llama Khulán Chulún. Supongo que es algo así como la Gaby Espino de Mongolia. Interpreta a Borte, el supuesto gran amor del Gengis Kahn, quien en realidad era el gran tirador de la comarca: xx
* ¿Se acuerdan de Sacha Baron Cohen cantando "Kazakhstan is the most beautiful country in the world" superponiéndose sobre el himno de Estados Unidos? MONGOL representa a Kazajistán este año como una de las cinco postuladas al Oscar en la categoría de mejor filme en lengua no inglesa. Sin embargo, al igual que la mongol-japonesa THE BLUE WOLF,que reseñamos aquí, MONGOL es una coproducción de varios países incrustada dentro de la celebración de los 800 años del nacimiento de la nación de Mongolia, unificada por el emperador Gengis Khan (1162-1227).
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* Una curiosidad es que el intérprete de Temujín (el futuro Gengis Khan) es el japonés Tadonobu Asano, ídolo de una gran amiga (http://blog999999999.blogspot.com) y quien también aparece en ZATOICHI e INVISIBLE WAVES, entre otras.
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* También exactamente igual que THE BLUE WOLF, esta MONGOL recrea la infancia y la juventud de Gengis Khan, justo antes de convertirse en el motor del que sería el imperio más extenso de la historia. Supongo que es más económico y más sencillo hacer una película sobre el proto-Gengis Khan, en vez de un filme sobre el Gengis Khan conquistador.
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* La novedad es que en MONGOL se presume que el joven Temujín fue esclavo de la tribu de los tunguses antes de llegar a emperador. Obviamente, es sólo una de las innumerables especulaciones sobre la biografía del Khan.
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* Me gustó más THE BLUE WOLF que MONGOL, a pesar de que la última está postulada al Oscar (una elección discutible, tomando en cuenta que quedó fuera la rumana CUATRO MESES, TRES SEMANAS, DOS DÍAS, ganadora de la Palma de Oro en Cannes). En MONGOL, me desagrada la idealización muy occidentalizada de la relación entre el Gengis Khan y su primera esposa Borte, quien sólo fue una de las miles de mujeres en la vida de quien es considerado quizás el supremo padrote de todos los tiempos.
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* Rescato de MONGOL el sentido cósmico de la batalla final entre las tropas de Temujín y las de su hermano Jamukha, desarrollada debajo de una tormenta.
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Algunas imágenes de Tadonobu Asano como Temujín
* La copia es curiosa porque está hablada en original mongol, pero tiene un narrador alemán superpuesto que dobla voces femeninas, masculinas e infantiles por igual. La subtitulación en español la hace el siempre competente Edgesy (edgesy@hotmail.com).
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* Las claves para conseguir una buena jevita en Mongolia: 1. que tenga la cara plana como la superficie de un lago salado; 2. que tenga los ojos estrechos para que no entren los malos espíritus; 3. que tenga unos pies grandes ("son lo más fuerte de una mujer y representan la fuente del placer"). Los mongoles son fetichistas de pies.
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* LA SUPER CURIOSIDAD: rock en idioma mongol (o kazajo, no lo sé) en los créditos finales, con incorporación de instrumentos autóctonos y clásicos cantos guturales (abundantes en todo el filme, al igual que la lucha deportiva típica de Mongolia y los brindis con leche de yegua fermentada o airag).
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Detalles de escena de soft-porno mongol:

23 enero 2008

TODO COMIENZA Y TERMINA CON UNA MAMADA

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BATALLA EN EL CIELO (2005)
Director: Carlos Reygadas
México, 92 minutos
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Cuando empezó BATALLA EN EL CIELO, de inmediato me sentí identificado con lo que me devuelven todos los días los espejos y que trato de eludir haciendo malabarismos con la mirada:
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Cuando la cámara siguió bajando, el comienzo de BATALLA EN EL CIELO se dejó de parecer tanto a mi vida:
BATALLA EN EL CIELO comienza y termina con una gran mamada. Es lo único atinado y honesto que me sale decir. Quisiera que la vieran personas que saben más de cine, de sexo y de vida, como mi amiga Luz Elena, para que intenten interpretarla mejor que yo. Estuvo en selecciòn oficial de Cannes. La poquísima música incidental que usa Carlos Reygadas a veces es tan antológica como aquellas bandas sonoras de Popol Vuh en los filmes de Herzog.
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La mayoría de los diálogos no se entiende bien, y la historia tampoco es demasiado clara. Lo que queda claro es que Reygadas es un grande. Un cineasta distinto. Quizás se le va la mano con lo abstracto, y el cine es un arte masivo. Pero algo queda. Alguien que sabe usar los silencios, alguien que capta el ritmo de una ciudad desde el punto de vista de un ocioso sensible... es un elegido.
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Marcos (Marcos Hernández) es el obeso chofer y empleado de un ricachón general del ejército mexicano —en BATALLA EN EL CIELO, este personaje muestra un extrañamiento casi sordomudo digno de una novela de Camus—. Cometió un crimen relacionado con un niño que no se relata de manera explícita (prácticamente tienes que leerlo en la carátula), y vive sus últimas horas antes de entregarse a la policía. Ana (Anapola Mushkadiz), bella hija del general con peinado rastafariano, se prostituye por diversión. Se acuesta con Marcos, quizás por compasión. Y el sexo entre ambos alcanza otra dimensión. Quizás por eso, la mamada descrita trasciende lo profano.
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Hacia una estética de la obesidad:
Oscar Wilde decía que el ser humano, en sus momentos más trágicos, tiene una extraña habilidad para percibir y fijarse en los pequeñísimos detalles habitualmente nimios, como si quisiera refugiarse en ellos. Quizás de eso es lo que se trata BATALLA EN EL CIELO: la manera en que el lacónico Marcos vive a pulso cada milímetro de tiempo restante antes de entregarse a la policía. ¿Por qué digo que Reygadas es un elegido? Intentemos narrar algunas escenas:
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1) Marcos está con su esposa obesa en un puestico de buhonería que ella tiene en una transferencia del Metro de México DF. Suenan simultáneamente las alarmas de decenas de relojitos despertadores baratos, como los que venden también los buhoneros de Caracas, que te atormentan. Entre los transeuntes del Metro, Marcos observa retratos de la decrepitud (un anciano con una bolsa de su propia orina) y la despreocupación de la niñez. Luego, Marcos sigue caminando por el Metro. Se observa a un hombre demacrado sin camisa y a un joven con una máscara de diablo.
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2) Marcos y Ana hacen el amor. La cámara da un giro de 360 grados hasta volver a ellos, pero antes se detiene en una mirada cualquiera de una ciudad que podía ser cualquiera, por ejemplo, lo que observas en un día cualquiera desde el hotel Gran Casino en el centro de Los Teques. La cámara se detiene incluso en las filtraciones de una pared que se desconcha.
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3) Unos monaguillos hacen un gran esfuerzo para menear una campana que apenas suena. La lluvia apaga su tañir.
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La actriz Anapola Mushkadiz; en la última imagen hay lágrimas, aunque apenas se aprecian:
Puestico de buhoneros de la esposa de Marcos:
Quizás una clave; imagen religiosa en la pared del cuarto donde Marcos y su esposa hacen el amor:
Sector de México DF muy, muy parecido a Plaza Venezuela:

20 enero 2008

Adivina la película antes del miércoles 23 de enero y gánate un DVD quemao

En un reciente filme —no estrenado antes de 2005—, que al parecer le gustó bastante a nuestro muy cinéfilo capataz Hugo Chávez, el director parece hacer un par de guiños al clásico bélico APOCALIPSIS AHORA. Aquí observamos las dos imágenes del mismo filme. ¿Eres capaz de adivinar el título antes de la medianoche de este miércoles 23 de enero?

SOL COMO DROGA DURA

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SUNSHINE (2007)
107 minutos
Director: Danny Boyle
Mosaico para deleitarse con Cillian Murphy, uno de los rostros más hermosos del cine contemporáneo. Saludos al hermano de Albinson.
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* Pequeña reconciliación con Danny Boyle, aunque el manchesteriano ya no tan mozo (51 años) sigue teniendo un problema crónico para rematar adecuadamente películas que sugieren mucho más. En SUNSHINE, esta enfermedad es menos grave que en 28 DAYS LATER. De nuevo yunta con el guionista Alex Garland. Ciencia ficción bastante realista, quizás con la excepción de la premisa de partida: el Sol se está apagando luego de tantos siglos de energía gratis y desde la Tierra envían una bomba atómica del tamaño de Manhattan para tratar de reactivarlo. La pasan actualmente en el Cineclub de Directv (canal 406).
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* Nave Icarus 2 lleva bomba, tripulada por ocho nautas
—tres asiáticos— conscientes de que improbablemente regresarán a Tierra: el capitán Kaneda (Hiroyuki Sanada), el físico Capa (Cillian Murphy), la bióloga Corazón (Michelle Yeoh), el técnico de comunicaciones Harvey (Troy Garity), la sentimental piloto Cassie (Rose Byrne), el matemático Trey (Benedict Wong), el sicólogo Searle (Cliff Curtis) y el bello bueno para nada Mace (Chris Evans). Hermoso reparto. Tenemos los minutos de varias muertes. Perp no los colocaremos.
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Líneas temáticas llamativas: metáfora del Sol como droga dura, cuya tentación constantemente coquetea a los científicos (fantasía de exponer la vista al sol sin protección; "la oscuridad te aisla, la luz te integra"); el cansancio cultural de una generación saturada ("Ya no hay nada nuevo que ustedes me puedan decir", recita Cillian Murphy en el último e-video a su familia, que no tendrá respuesta); la obsesión religiosa por la posibilidad de ser el último humano en el universo. Y la más interesante: la imposibilidad de extirpar los errores y las debilidades emocionales en la naturaleza humana. Obviamente, el final tenía que ser tranquilizador para el público y esta premisa no puede ser llevada al límite.
Mosaico para deleitarse con la carita siempre triste de Rose Byrne. Casi tan hermosa como Saffron Burrows. Nótese la lágrima a punto de deslizarse por el trampolín de la mejilla izquierda, en la cuarta imagen.
Traje dorado para caminatas espaciales de evidente inspiración samurai.
Los ocho astronautas avistan al achicharrado planeta Mercurio en su camino al Sol. Uno de los momentos músico-visuales más emotivos de SUNSHINE. La banda sonora, siempre resaltante en el cine de Boyle, pertenece a John Murphy y Underworld.
Realidad virtual para apaciguar el estrés de los pioneros solares.
Muerte muy asiática. En todo sentido.

RONALD REAGAN MATANDO HIPPIES

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THE TRIPPER

Director: David Arquette
97 minutos
Mosaico sangriento. En el último cuadro, el chamo le grita al asesino cuando le cortan la mano: What´s your problem, man?, en uno de los mejores diálogos de THE TRIPPER.
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* Algunas de las mejores escenas de efectos de drogadicción que se hayan visto en los últimos tiempos. Nada moralistas y muy pedagógicas acerca de todo el abanico de nuevas drogas sintéticas para quienes no han inhalado ni talco. Por ejemplo, Nitrous, gas que se aspira de un globito de cumpleaños.
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* En
THE TRIPPER, en aparente tono de joda, el actor-director David Arquette lleva al extremo la imposibilidad de reconciliación entre dos sectores de la sociedad estadounidense contemporánea. Un sicópata rural-derechista que se disfraza de Ronald Reagan, acompañado por una perra llamada Nancy (y que radicaliza algunas tendencias del fallecido presidente republicano) descuartiza un festival de rock hippie en un bosque de California. Hay referencias a Patti, la hija rebelde de Reagan que posó para Playboy.
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* Forzada la manera en que Arquette intenta convertir THE TRIPPER en un manifiesto político. Quizá funcionaba mejor como metáfora menos directa. Los créditos finales, por ejemplo, son un verdadero panfleto radical demócrata.
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* Además de la insuperable brecha política —que se traduce en rudísimos insultos fascistas a los hippies como "Hagamos sandwichs vegetarianos con ellos"—, Arquette muestra también cómo las drogas crean un abismo comunicacional imposible de salvar para los sobrios. Drogados y no drogados son prácticamente dos especies humanas distintas, separadas por un abismo insondable de experiencias. Las drogas pueden hacer que una persona rumbee en Ibiza de viernes a lunes sin necesidad de comer, cambiarse de ropa o ir a un hotel a dormir. ¿Cómo una persona que no se droga puede entender esa experiencia? Entre las escenas más estremecedoras de THE TRIPPER están aquellas en las que el asesino ataca a los hippies drogados, pues estos carecen de posibilidad física de respuesta defensiva.
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Hippies con sus lindas cositas al aire y envidiosa impotencia policial-conservadora:
Cita real de Ronald Reagan al comienzo de la película:
Increíble hombre pájaro hippie:
Bacterias sicodélicas clásicas:

Oscarizables: EL JUAN BARRETO DE LOS 80 QUE PREDIJO A OSAMA BIN LADEN

Chico, ¿cuándo será el día en que uno vivirá eso de estar con dos jevitas en un jacuzzi?
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CHARLIE WILSON´S WAR (2007)

Director: Mike Nichols
100 minutos
La bailarina Tracy Phillips dándose durísimo con el ombliguito como belly dancer en una reunión de alta política en Egipto
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NOTA PRELIMINAR: circula copia en Caracas con calidad de DVD (screening copy para jurados de premios) con subtítulos de muy mala calidad de Mediarte. Igual se puede ver y entender, sobre todo si se sabe un pelo de inglés oral.
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* Charlie Wilson (Tom Hanks): congresista estadounidense extremadamente hembrero de los años 80, muy a lo Juan Barreto, siempre rodeado de secretarias mamis —"a cualquiera le puedes enseñar a tipear, pero no a cualquiera le crecen las tetas"— y eventual participante en orgías y esnifador. Según esta comedia de Mike Nichols (EL GRADUADO... y poco más después) bastante condescendiente con Charlie Wilson, el congresista de Texas resultó crucial al anticipar la necesidad de derrotar a los soviéticos invasores de Afganistán apoyando a la guerrilla local a través de la CIA. Logró el milagro de juntar a isrealíes y musulmanes para derrotar a los malos rusos. Posteriormente, Wilson habría vislumbrado la importancia de no dejar solos a los afganos en tiempos de paz y financiar programas de salud y educación ("siempre nos vamos antes de tiempo"). Nadie le hizo caso a Charlie, y tal, y de los campos guerrilleros de Afganistán salieron Al Qaeda y Osama Bin Laden.
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* Lo mejor son las jevitas. La comedia irónica CHARLIE WILSON´S WAR se presenta a sí misma desde el mero principio como una recreación de hechos reales, algo bastante discutible. Lo mejor era asumirse como una recreación bastante libre (lo que es en realidad). Hay una parcialización clara hacia Charlie Wilson y hacia la CIA, que sabemos de sobra que no es el convento de las carmelitas descalzas. Y una idealización de personajes tan torvos como el presidente paquistaní Zia-Ul-Haq, el mismo que mandó a la horca al papá de Benazir Butto en 1979.
xEl eterno femenino: stilettos, cinturita y colita de caballo que se menea para allá y para acá (es una puti-secretaria).
Julia Roberts en traje de baño. ¡Asco!
El actor indio Om Puri interpretando al sanguinario presidente paquistaní Zia-Ul-Haq (1924-1988). A la derecha, foto del Zia de verdad.
Espectacular trasero con pantaletica de los 80.
Piloto de helicóptero ruso hablando de mamis al mismo tiempo que masacra una aldea de Afganistán.

CURSILERÍAS DE ANDY GARCÍA

¿Por qué los Castro siguen mandando en Cuba casi 50 años después? Una de las grandes razones es la estupidez de muchos de sus adversarios. Como pequeña muestra, la película THE LOST CITY (2005), del anticastrista Andy García. Una ingenuidad enternecedora en la que metieron a Bill Murray para que levantara al muerto, pero él tampoco es Mandrake. THE LOST CITY tiene algunos de los diálogos amorosos más cursis que sobreviven en pleno siglo XXI.
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DIÁLOGO EN OLIGARCA CLUB DE COSTA:
—Andy García le entrega rosa roja a Inés Sastre: ESTO ES LA HABANA.
—Inés: ¿QUIÉN DIJO QUE LAS MUJERES SON COMO LAS FLORES?
—Andy: UN POETA QUE SABÍA DE LO QUE HABLABA.

Andy García con la inconfundible cara que uno pone cuando dice en inglés:
I WILL TAKE CARE OF YOU.
No hay expresión verbal anglosajona más tierna que el cursilón y sobreprotector take care.
DIÁLOGO EN CLUB DE BAILE
—Andy García: ¿POR QUÉ TIENES LA CARA TRISTE?
—Inés Sastre: MI NATURALEZA ES TRISTE.
—Andy: BEAUTY IS YOUR NATURE.
—Inés: LO TRISTE PUEDE SER HERMOSO.
—Andy: LO TRISTE SÍ, PERO LA TRISTEZA NO.
Esto sí es en serio. Comparemos la frase que dice en este fotograma Inés Sastre (cuyo personaje se convierte en castrista para desolación del pobre Andy) con unas declaraciones de Roberto Hernández, vicepresidente de la Asamblea Nacional, un mes antes del referendo de la Reforma Constitucional (El Nacional, domingo 5 de diciembre de 2007). El clásico error comunista: postergar la democracia para un después que no llegará nunca.
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—PREGUNTA DE HERNÁN LUGO GALICIA: ¿Por qué la reforma asigna más poder al Estado cuando debió darle poder al ciudadano si se quiere una constitución socialista?
—ROBERTO HERNÁNDEZ: En el país no se elabora una constitución socialista, es de transición al socialismo, y el Estado, en esa etapa, desempeña un papel importante. El Estado es un instrumento para derrotar la resistencia de clases enemigas que se niegan a perder privilegios.

14 enero 2008

NOCHES INTERMINABLES DE CARBOHIDRATOS

De manera insólita, circula por las calles de Caracas, incluso en lugares como Capitolio y La Hoyada, una copia de MY BLUEBERRY NIGHTS, la película del director Wong Kar Wai (WKW, para no complicarnos) que inauguró el festival de Cannes el pasado mayo. Es una copia estilo "me coleé en la sala de cine con mi camarita", y la subtitulación de Mediarte es terrible, como de costumbre, lo que no es hacerle un gran favor a quien es quizá el más personal y sólido de todos los autores cinematográficos contemporáneos. Pero la curiosidad mató al gato.
1. Lo primero que sorprende de MY BLUEBERRY NIGHTS —la primera experiencia cinmatográfica no asiática de WKW— es que dura apenas 88 minutos; sin embargo, hay una version más larga de 111 minutos que se estrenó en varios países a finales de 2007. En todo caso, se trata de una obra quizás menor en la trayectoria de WKW, aunque no deja de reflejar importantes puntos de vista en su aproximación a Estados Unidos (no poco parecida, por cierto, a la visión de Wim Wenders de lo estadounidense cuando se radicó en ese país e hizo películas como PARIS TEXAS) y sus obsesiones sobre el desamor y la soledad.
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2. La versión corta de MY BLUEBERRY NIGHTS que circula en Caracas podría ser resumida en 5 segmentos:
A) Encuentro de Liz (Norah Jones), una mujer despechada, con Jeremy (Jude Law), quien atiende un bar de tortas, galletitas y carbohidratos varios en Nueva York;
B) Liz trabaja sin dormir (*) para olvidar su desamor, al mismo tiempo que recorre Estados Unidos rumbo al Oeste en la clásica odisea costa a costa; en un bar de Memphis, conoce a un policía alcohólico cuya esposa se prostituye (Rachel Weisz). Una pareja autodestructiva. Frase emblemática de ella después de que él muere: "Sólo quería que me dejara libre; ahora que lo hizo, me siento peor que nunca" .
C) Breve reencuentro de Jeremy con Katya, un amor fugaz del pasado.
D) Liz, rumbo a Las Vegas, conoce a Leslie (Natalie Portman), apostadora compulsiva que explora los límites de su confianza en los demás. "Necesitamos de otras personas como un espejo para vernos".
E) Liz vuelve donde Jeremy. Se queda dormida. Él le limpia la boquita llena de crema...
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(*) En una película británica reseñada aquí hace unos meses, CASHBACK, se tocaba también el tema de un hombre que no podía dormir nunca.
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3. Una de las paradojas que me atraen de MY BLUEBERRY NIGHTS es que WKW está profundamente obsesionado por las dimensiones del espacio físico en Estados Unidos (extensiones interminables, panorámicas sobrecogedoras, constantes mediciones de kilometraje, grandes distancias físicas y emotivas) y al mismo tiempo, ante esa realidad, se refugia en los espacios cerrados y claustrofóbicos en los que se siente más confortable (bares, cafetines).
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4, Otras características de Estados Unidos que parecen capturar la atención de WKW son la posesión casi universal de armas de fuego y la violencia (segundo segmento en Memphis) y la fascinación compulsiva por el azar y el hipotético golpe de suerte que te saca de abajo (segmento de Natalie Portman).
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5. WKW y los zapatos femeninos de tacones. Son un clásico. Aquí reaparecen fugaz y magistralmente.
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6. La cantante Norah Jones siempre ha tenido una imagen idealizada de hada, con su rostro mestizo y redondo como una luna. WKW la ha tomado como su nuevo alter ego —unión de Oriente y Occidente en su mezcla de razas—, aunque sin confrontar esa imagen idealizada. Me hubiera gustado ver a una Norah Jones más de carne y hueso y menos hada.
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7. MY BLUEBERRY NIGHTS es una película que no puede entenderse si no perteneces a esa cofradía suicida de los carbohidratos. A mi juicio, la compulsión por el consumo de carbohidratos es comparable con el alcohol. Recientemente observé de nuevo LEAVING LAS VEGAS e imaginé que podría ser perfectamente intercambiable con la historia de una persona que conscientemente decide comer carbohidratos y sólo carbohidratos hasta morir.
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Una boquita que hay que limpiar con mucho cuidado y cariño...
Una torta llena de hormiguitas basta para alejar a MY BLUEBERRY NIGHTS de un libro edulcolorado de gastronomía. Lo divino y lo asqueroso, lo sublime y lo descompuesto siempre conviven muy cerca.

ANEXO: UN FIN DE SEMANA CON LO SUBTÍTULOS DE MEDIARTE

(un nuevo idioma paralelo al español)

Palabras en los subtítulos de MEDIARTE en las películas MY BLUEBERRY NIGHTS y BLONDE AMBITION, aceptable comedia romántica de una pueblerina en Nueva York con Jessica Simpson:

1) Hiba (en lugar de "iba", del verbo ir)

2) Me facina

3) Empesaba

4) Resvalar

5) Hechar una mirada

6) Ubiera

7) Incunvencia

8) Bestido

9) Cansas (en lugar de Kansas)

10) Mensionar

11) Broklym (Brooklyn)

12) Milwoky (en vez de Milwaukee; no es la primera vez que veo este horror, una vez conocí en chat a una chica que le puso así a su perro)

13) Detubiera

14) Cuetes (por cohetes)

15) Hardvar (por Harvard)

10 enero 2008

LAS PROFECÍAS DE CASANDRA, LA TUBERCULOSIS Y LA CONDICIÓN HUMANA

La realidad siempre supera a la ficción. Circula por estas calles de Caracas un DVD de CASSANDRA'S DREAM (2007), película de Woody Allen. Lamentablemente es lo que yo llamo una copia de camarita: alguien se coleó en una sala francoparlante (seguramente en Canadá) y grabó la película, que aparece titulada como LA REVE DE CASSANDRE. La anécdota es que dentro de la sala de cine hay una chama que casi parece tuberculosa. No la culpo, porque yo también sufro pestes de tos vergonzosa y muy sonora que me duran como dos meses. Como buen ocioso, me puse a cronometrar la tos con flema de la espectadora y tose burda de fuerte aproximadamente una vez por minuto, con algunos pocos y precarios intervalos de sosiego en los que pasa de 3 a 5 minutos sin toser. Perebrón, por favor.
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CASSANDRA'S DREAM es una película sobre los resortes mecánicos e inevitables de la naturaleza humana, y por eso, de alguna manera, la tos de la chama tuberculosa en la sala de cine canadiense termina reforzando involuntariamente la propuesta de Woody Allen.
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CASSANDRA'S DREAM es un drama que guarda un vínculo evidente con MATCH POINT (2005), la película que permitió el regreso de Woody Allen a las salas venezolanas, en donde práctricamente se le había olvidado, a pesar de que el sigue dirigiendo religiosamente un filme cada año. Ambas se ubican en Londres. Creo que lo mejor que puedo decir de CASSANDRA'S DREAM y MATCH POINT es que no son obras maestras, sino películas fenomenalmente bien contadas, sobrias y con gran economía de recursos. Un rasgo positivo de Allen es que siempre se ha sentido en minusvalía artística frente a los monstruos del cine europeo como Bergman, Fellini o Antonioni. Y ha terminado asumiéndolo, limitándose a contar una historia con eficiencia y modestia. Y ya eso es muchísimo.
No pretende dejar grandes lecciones o moralejas. Deja más preguntas que respuestas.
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Dos hermanos. Caín y Abel. Se complementan. Ian (Ewan McGregor) y Terry (Colin Farrell, aquí un poco menos insoportable gracias a la dirección de Allen). Ian es más racional y pragmático. Terry sufre de adicción a los juegos de azar y es débil e inseguro. Me hace recordar el juego de cartas de Solitario en la computadora: te endeudas apostando, sigues jugando para tratar de pagar la deuda, pero terminas cuadruplicando la deuda inicial. Gracias a una apuesta ganada, Terry compra un yate que comparte con Ian; pero inmediatamente después asume una deuda insoportable de 90.000 libras esterlinas. Justo en ese momento, regresa a Inglaterra el tío Howard (Tom Wilkinson), un ricachón aventurero con contactos en Hollywood que necesita aniquilar físicamente a un rival de negocios.
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El título de CASSANDRA'S DREAM hace referencia al mito griego de la profetisa Casandra. Se refiere a los sueños y pesadillas de algunos personajes, que presagian el desenlace catastrófico de la historia. Pero como ocurría con Casandra, a quien nadie creía nada, no pueden evitar lanzarse al barranco.
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En un diálogo clave, Terry le reclama a Ian: "Le faltamos a Dios". Ian le responde: "No hay Dios, idiota", al mismo tiempo que intenta justificar el crimen que ambos van a cometer: "Toda la historia humana es violenta; "Si estuviéramos en el ejército, mataríamos gente todos los días". Pero lo paradójico es que, a pesar de proclamarse ateo y sin ningún tipo de escrúpulos que se interpongan entre él y el placer, Ian también termina cediendo ante los sentimientos en el momento decisivo. En otro diálogo, en el que dos actores de teatro hablan de los mitos griegos, el básico Ian comenta: "No sé nada de eso". ¿Hubiera modificado su conducta si fuera una persona más culta, sensible y con más conciencia de los mitos fundacionales de la civilización occidental? Quizás sí, pero es probable es que no. Así somos.

09 enero 2008

AUTODESTRUCCIÓN EN EL NORTE DE BÉLGICA

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EX DRUMMER (2007)
Bélgica - 100 minutos
Director: Koen Mortier
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BÉLGICA: país europeo sólo un poquito más grande que el estado Falcón y unos 10 millones de habitantes: 60% hablan holandés y el resto frances, y generalmente se las llevan muy mal unos con otros. Hasta hace muy pocos años, se podía manejar en este país sin tener licencia, por lo que sus calles eran peligrosísimas. Bélgica fue una semi-potencia de fútbol en los años 80, aunque el envejecimiento y la escasez de población no le permitieron mantener ese ritmo. Sus jugadores más famosos: el portero Jean-Marie Pfaff, el gran lateral derecho Eric Gerets, el delantero Jan Ceulemans y el volante Enzo Scifo (una eterna promesa fallida).
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* Dries Van Hegen, famoso y apuesto escritor belga que vive con su bella esposa Lio en un apartamentazo en la localidad costera de Oostende, desea alterar un poco su dinámica triunfadora y acepta la aventura de unirse como baterista a The Feminists, una banda de rock pesado integrada por carajos perdedores, disfuncionales y que sufren algo tipo de tara física: el skinhead Koen, un cantante gago y racista que mata a ladrillazo limpio a las mujeres que amenazan su seguridad masculina; Jan, un bajista homosexual con un brazo paralizado, extremadamente apegado a su manipuladora madre calva y obligado a limpiarle la mierda a su padre convaleciente; e Ivan —extremadamente parecido a Vicente Corostola, de la Fundación Nuevas Bandas—, un guitarrista cocainómano y casi totalmente sordo cuya esposa e hija pequeña viven en pobreza extrema.
"Siempre conservaré la posibilidad de salirme de esa realidad alterada en el momento cuando lo desee", recuerda el cínico escritor Dries, quien ejercerá la tiranía de su superioridad intelectual sobre sus compañeros de banda y su entorno inmediato.
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Detalles de los excepcionales créditos iniciales de EX DRUMMER, que además se exponen con música e imágenes en marcha reversa
* Desnudado así el argumento principal, uno siente que está banalizando a EX DRUMMER, que es mucho más que eso. Podría decir que es la TRAINSPOTTING de Bélgica, pero también lo siento como una banalización. Es una película extremadamente divertida, pero también atroz, violenta y de un pesimismo sin salida. La banda sonora, asociada con las imágenes, ofrece sublimes instantes de solidaria melancolía rockera.
* ¿Escenas memorables? Hay bastantes. Se me viene a la mente una en la que el guitarrista Ivan se mete un pase de coca antes de jugar un partido nocturno de fútbol aficionado, le cae a patadas a medio equipo contrario y anota un gol anulado, antes de recibir tarjeta amarilla y entromparse con el árbitro. Toda la secuencia en la que la banda The Feminists participa en un festival de rock belga es erizante, explosiva, catártica y antológica (uno de los grupos tiene un nombre fenomenal: 6 Million Jews). En otro momento, el protagonista Dries y el ególatra rockero Big Dick —realmente un big dick superior al Dirk Diggler de BOOGIE NIGHTS— visitan una vagina gigante.
* EX DRUMMER es, por otra parte, una película que retrata una particular atmósfera actual de un país que parece observar su propio futuro con total desolación, ante amenazas como la desintegración en la Europa unificada, la inmigración, el envejecimiento demográfico y ese vacío existencial tan nórdico. Dries Van Hegen hace constantes referencias irónicas a la muerte del rey Balduino I en 1993, que remiten al absurdo del régimen monárquico. Al final, Dries hace el amor con su bella novia en su aséptica burbuja de felicidad, mientras los perdedores en cuyas vidas intervino se autodestruyen.
* Esta película belga-flamenca —que seguramente se convertirá en objeto de culto— la conseguí en la avenida Fuerzas Armadas, en un puestico de lo más humilde y ordinario. Está subtitulada en español por un caballero que se hace llamar Edgesy (edgesy@hotmail.com) y a quien hay que felicitar por su excelencia y perfeccionismo.
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En el cuarto cuadro, una visita a una vagina gigante
El cantante gago Koen (Norman Baert) fuera de este mundo en las fenomenales escenas del festival de rock belga