CÍNICOS E INTEGRADOS ANTE LA PELONA

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TWO WEEKS (2006)

Director: Steve Stockman

Una gran línea de diálogo con referencia a los Tres Chiflados, en un contexto bancario.
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* Este drama es como montarse en un jeep que te transportará hacia un cerro de Caracas donde nadie quiere meterse. Su tema no es útil para triunfar en la taquilla. Todo lo contrario. Y aunque tenga no pocas virtudes, TWO WEEKS no es algo que uno le recomendaría a un amigo, porque refleja el momento inevitable que a todos nos gustaría postergar: la muerte de nuestra madre y todo el ritual que lo acompaña.

* Anita Bergman (Sally Field), judía no practicante y madre algo rebelde y temperamental, sufre un cáncer terminal y sus cuatro hijos (de un matrimonio anterior a su pareja actual), cada uno con su vida hecha y derecha, se juntan de nuevo para acompañarla en sus últimas dos semanas de vida.

* Lo que más destaco en TWO WEEKS es la construcción de personajes, en especial de dos de los cuatro hijos, que son arquetipos bastante universales y reconocibles:

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1) KEITH (Ben Chaplin): de alguna manera, el líder de los cuatro hermanos. Un posmoderno de elevado IQ, miembro de una generación hiperconectada y de elevada calidad de vida, que tiende a sentirse ajena al hecho mortuorio. Keith preferiría que toda muerte fuera limpia, indolora y rápida. Maneja ciertas nociones del budismo, se planta con cinismo ante las convenciones que rodean a la muerte y utiliza constantemente el humor negro para elevar la moral de los familiares que rodean a Anita.

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2. EMILY (Julianne Nicholson): la hermana que se quedó para vestir santos y que asume hasta sus últimas consecuencias la experiencia integral de la muerte de mamá. La hija que toda madre quisiera tener al lado en sus últimos días. Quizás es poco inteligente (se arma de frases de todos los libros de autoayuda que consigue acerca del tema mortuoro), pero ejecuta las tareas duras relacionadas con el cuidado a un enfermo terminal que sus hermanos varones difícilmente emprenderían.

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Los otros dos hermanos no están tan bien desarrollados. BARRY (Thomas Cavanagh) es un yuppie estresado y MATTHEW (Glenn Howerton) , el hermanito menor cuya esposa está enfrentada al resto de la familia, con conflicto de herencia de joyas incluido.

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* En general, TWO WEEKS es una película de un realismo encomiable y que evade los golpes sentimentales demasiado obvios, a pesar de su tema.

* Incluye segmentos de video casero en los que Sally Field (poco después de enterarse de su enfermedad) reflexiona sobre la relación con su prole; no sentí estos segmentos muy necesarios.

* Al final, sobran algunos minutos y el derrumbe de Keith, que se venía aguardando durante los 90 minutos anteriores, es demasiado predecible.

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Imágenes 1 y 2: Keith transporta las cenizas de mamá y les pone cinturón de seguridad.

Imagen 3: los hermanos hacen juegos de apuestas con las pastillas de colores que sobraron del tratamiento.

Imagen 4: incidente en el aeropuerto con Thomas Cavanagh.

POLICÍA COLEGIAL ARMADA ÚNICAMENTE CON UN YO-YO

¿Quién podría resistirse a esta portadilla descubierta mientras husmeaba junto a mi amiga Luz Elena en los tenderetes debajo del elevado que conecta a la avenida Urdaneta con la Andrés Bello?:
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Qué genios son los japoneses. Dirige Kenta Fukasaku. Protagoniza la ídolo pop Aya Matsuura. El título original: SUKEBAN DEKA: KODO NEMU = ASAMIYA SAKI (2006). El título internacional: YO-YO GIRL COP. Es decir: la chica policía del yo-yo. Sí. Así como lo lee: esta vez la heroína principal está armada con un yo-yo (si hubiera cineastas con neuronas en Venezuela, aquí podríamos hacer una adaptación con perinola, trompo o metras).
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Pasemos a explicar el núcleo argumental y admiremos la maestría de los japoneses. Absolutamente nadie como ellos en el género de las lolitas, que gobiernan con pulso imperial:
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* Adolescente problemática hija de otra criminal es encarcelada, amarrada y embozalada a lo Hannibal Lecter.
* La policía le ofrece una salida: convertirse en agente secreta infiltrada dentro de un liceo para investigar a Enola Gay, grupo terrorista de estudiantes de secundaria eximidos en Química, que utilizan a niñas como bombas humanas.
* "Sólo una persona joven puede comprender la mentalidad de los jóvenes", justifica la policía. Por lo tanto, todo el empaque debe ser coherente: como buena lolita japonesa, nuestra heroína debe lucir medias hasta las rodillas, minifaldita y corbata a lo RBD. Y el arma de la que es provista: un YO-YO.
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Agréguele las ya clásicas miraditas fulminantes de japonesita brava con el ceño fruncido y la frente adelantada.
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* En las escenas finales, sin embargo, nuestra heroína y su peor enemiga en el liceo (otra experta del yo-yo) se despojan del uniforme colegial y se muestran con sus mejores y más sexies galas de guerreritas. Toda una fantasía similar a la de aquellas liceístas venezolanas que se quitan la chemise cuando salen de clases y se quedan en franelilla. JAPÓN: LOLITA'S PARADISE.
* Uno de los valores destacables de YO-YO GIRL COP es la incorporación de elementos tecnológicos (chat, mensajes de texto, páginas web) que, a diferencia de lo que suele verse en Hollywood, no espantan con insoportables sonidos de golpeteo de teclados y se insertan con notable elegancia y armonía en la estética general de la película.

* La música es similar a la campaña publicitaria "Adelante" del Banco Provincial. xxxxxxx

Imágenes de la fenomenal secuencia en la que Asamiya Saki (Aya Matsuura) se viste para la batalla final. En la toma del trasero, tapado por la mano, el espacio para depositar el yo-yo (nalga derecha).
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Algunos detalles de los créditos iniciales, muy a lo James Bond.
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Destáquese la cara de gatita en la primera foto; adivine quién es la original del paraguas rojo en la segunda imagen.
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Yo-yo con aspas de la enemiga de la protagonista.

Funda para el yo-yo debajo de la minifalda del uniforme convencional colegial de la heroína.

El papá de la protagonista; el Raphael japonés.

La enemiga de la protagonista con yo-yo azul, hot pants, incrustaciones metálicas y ombliguito al aire.

Un yo-yo fucsia rumbo a la frente de nuestra chica.

Yo-yo gigante como telón de fondo en los créditos finales. El redactor jamás ha podido jugar yo-yo.

Algunos comentarios breves

Mala semana desde el punto de vista pelicular, y ya se está haciendo costumbre. Sin embargo, para no perder forma, van algunas mini-reseñitas:
TSUNAMI: THE AFTERMATH (2006). Miniserie para televisión de HBO Films sobre algunas historias posteriores al maremoto en el Océano Índico del 26 de diciembre de 2004 en Tailandia. Dos partes de 90 minutos c/u.
La perspectiva, como era de esperar, es predominantemente occidental, a pesar de que los más jodidos fueron los tailandeses. Lo mejor de lo mejor: la construcción del personaje de reportero de guerra que hace el enano siniestro Tim Roth (uno de mis actores preferidos de todos los tiempos). Este papel de Tim Roth me hace recordar a grandes panas fotógrafos como Iván Eduardo González, Edixon Gámez, David Maris o Nilo Jiménez: lobos solitarios, tipos duros que hablan poco, que ya no se sorprenden ante nada porque han visto toda clase de vainas, que no le tienen miedo a un carajo, que viven muy a su aire, que destilan un exquisito cinismo y que se las arreglan para encontrar diversión hasta en las situaciones más jodidas.
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Hay una fenomenalmente sobria actuación de Gina McKee como turista británica (tiene un aire a Frances McDormand). Otra historia a ratos interesante es la del matrimonio de Ian y Susie (Chiwetel Ejiofor y Sophie Okonedo), sobre todo por la manera en la que ella lo culpabiliza a él por la desaparición de la niñita de ambos.

Sorvino, siempre Sorvino

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HUMAN TRAFFICKING (2005): otra miniserie de casi tres horas sobre la trata de blancas, que compré sin saber que era una miniserie. Generalmente no veo miniseries de TV. La cara de Mira Sorvino en la carátula debe haber sido decisiva para la transacción que efectué en las afueras de la UCV. Ella es la policía buena, quizás excesivamente sentimental para ser policía. Donald Sutherland es el escéptico policía de la vieja guardia. Robert Carlyle es el malo que maneja una red internacional de pornografía y prostitución infantil-adolescente. HUMAN TRAFFICKING es una producción eminentemente informativa y directa, y se puede decir que funciona: pasaré un buen tiempo sin bucear a menores de edad.

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Laurence Leboeuf, canadiense: la Estefanía López de HUMAN TRAFFICKING
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GEORGIA (1995). Director: Ulu Grosbard. La relación de dos hermanas cantantes: Georgia (Mare Winningham), madre de dos niños, ovacionada estrella del country suavecito, con una voz exquisita y angelical y un vida muy ordenadita; y Sadie (Jennifer Jason Leigh), que se mete todo lo que sea posible meterse por la nariz, la boca y las venas, y que más que cantar se para a pegar alaridos de borracha en taguaras a las que asisten cuatro gatos que apenas le aplauden con ladilla cuando termina cada canción. La moraleja es un poco que en la música caben todos. La escena cumbre es cuando Georgia finalmente le dice a Sadie: "No sabes cantar".

Más fácil ganar un DVD quemao, imposible.

El pensamiento de la imagen:

"No conoces de verdad a alguien hasta que peleas con él"

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Pistas (Dios mío, qué regalón soy):

* En la misma película, hay un mousse de chocolate que provoca orgasmos, literalmente.

* En la misma película, hay un mini homenaje a THE BRIDES OF DRACULA (1960).

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¡Sólo tienes chance hasta el lunes 22 de octubre a la medianoche! ¡Don't be late! ¡No te agüevonees!

Homenaje a ENCUADRE y a Hortensia Pérez Machado

El siguiente comentario sobre la película LEYENDAS DE PASIÓN (1994), que nunca he podido ver, fue escrito por Hortensia Pérez Machado en el número 55 (mayo-junio de 1995) de la desaparecida revista venezolana de cine y fotografía ENCUADRE, que algunos conservamos como en un tesoro de culto en nuestras bibliotecas.

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Recuerdo que, en su momento, leer estas líneas —escritas por una pluma femenina— representó todo un escándalo para mis adolescentes parámetros morales:
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"...Pasando a otro tema, es indudable que las caderas de Brad Pitt sobre el caballo y la acción que ejecutan sus piernas para subir y bajar de él hacen que cualquiera se pierda hacia otras fantasías".

CHINITAS DE ESPALDA DESNUDA EN LAS TRES GRACIAS

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CARRIE ANNE-MOSS, AMA DE CASA HOT

Díganme si esta portada no es absolutamente seductora, perturbadora y morbosa. Por una sola vez, no escogí una película con mi subutilizado órgano reproductor:

FIDO (¿Fido-Dido no es el flaquito de Seven Up?) data del año 2006, dura 1 hora y 31 minutos, dirige Andrew Currie y es una comedia de zombies ambientada en edulcolorada clase media estadounidense de suburbios tipo años 50 a lo PLEASANTVILLE. Termina funcionando como corrosiva sátira de la explotación social, de la burguesía y de la institución matrimonial. Fenomenal banda sonora de rockabilly. Al igual que en DISTURBIA, Carrie-Anne Moss hace de ama de casa, con la diferencia de que aquí se va poniendo cada vez más hot y sexy mientras avanza la película: comienza como una frígida angustiada por el qué dirán (casi no reconoces que es ella) y termina totalmente desatadísima y happy.
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Un polvo estelar que se atraviesa en la trayectoria orbital de la Tierra provoca que los muertos salgan de sus tumbas. Al principio son una amenaza para los vivos, aunque los científicos descubren la manera de liquidarlos (disparándoles a la cabeza o decapitándolos) o amansarlos como mano de obra esclava, aunque eso sí, para trabajos torpes y de baja precisión: por ejemplo, es riesgoso usar a una zombie prostituta como proveedora de sexo oral. Los zombies son, pues, como los ilotas de la antigua Esparta. Llega un momento en que tener un zombie esclavo es algo tan popular, que la demanda es muy alta y apenas 10% de las personas que mueren reciben funerales tradicionales.
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Entonces entra en juego Fido (Billy Connolly), un zombie distinto —torpe y silente pero noble—, quien termina marcando notable contraste con un padre de familia machista y pichirre (Dylan Baker) que no dedica quality time a su hijo ni escucha a su esposa.

Gran escena de baile entre Hellen (Carrie-Anne Moss) y su considerado zombie esclavo, en las narices del egoísta pater familias.

Primer intercambio de miradas de pistoneo entre Hellen y Fido. En la última foto, un bebé que no está en peligro, a a pesar de las apariencias

Tammy, una zombie dama de compañía. El control de sus dientes en los momentos íntimos, un problemilla... solucionable.
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PD: ¿Alguien recuerda un merengue titulado "Zombie? ¿Era de las Chicas del Can?

MÍRALA BIEN... ELLA ES LA QUE ROMPE EL SUELO

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YELLOW (2006)

Director: Alfredo de Villa

¿Qué aleja a a YELLOW de una historia tipo puertorriqueña-pobre-que-cumple-sueño-de-bailar-en-musicales-Broadway? La mayoría del cine que se hace en Estados Unidos con músculo latino suele desembocar en subproductos de mala calaña y peor dicción del idioma español. Sin embargo, YELLOW, a pesar de que lastima al español y tiene unas cuantas escenas del todo borrables, sale airosa con dignidad. Veamos:
1. La banda sonora es terriblemente buena, vigente, fresca y con clase. Y cuando toca poner reggaetón, ponen "Mírala bien" de Wisin y Yandel, que es un tema importante y no cualquier mierda que consigan por ahí.
2. El director Alfredo de Villa se nota que conoce lo que es de verdad un club de stripper (la protagonista Amarillys Campos hace una transición por el desnudismo antes de llegar a Broadway; al final deja atrás el strippeo, pero queda la complicidad entre el director y ciertos espectadores acerca de qué fue lo más deslumbrante y memorable de la película). El retrato del mundo del striptease es realista y sin prejuicios moralistas. No hay proxenetas explotadores, y más bien el dueño del local LABRADOR (tremendo y sonoro nombre) es un tipo del carajo. Esta película me inspira a hacer algún día mi propio largometraje sobre Kimberly, la mejor stripper de Margarita, por lo menos entre los años 2002 y 2003.
Algunas escenas de stripper son de fábula, por ejemplo una en la que la chica tiene un maquillaje corporal de tigre.
3. Roselyn Sánchez (una mezcla de Maribel Verdú con Sandra Bullock) no me atrae en exceso, y a veces me resulta un pelo masculina. Pero tengo que reconocer que se agarra esta película por los cachos con una fuerte personalidad. Y siempre admiro a las actrices que se atreven a hacer desnudos sin tener unos senos enormes.
4. La dirección, desde el punto de vista visual, es sobria y contundente. Hermoso uso de los colores. Notables experimentos con la pantalla dividida.

CARA DE TRASCENDENCIA ESTÚPIDA QUE PONEMOS LOS HOMBRES CUANDO NOS HACEN UN STRIPPER PRIVADO (Cortesía actor Christian Kile). Eso es tal cual así en la vida real. Uno pone aquella cara de intenso. ¿Por qué no cagarse de la risa o relamerse con la lengua afuera y ya?

Aparición especial de mi querido Fernando Allende, el mimado de Nuestra Señora de Guadalupe. Me encantó verte de nuevo.

EL TERROR MÁS PROFUNDAMENTE GRABADO EN MIS ENTRAÑAS

Las personas que nos acostamos habitualmente a las 9:00 de la noche y nos despertamos a las 3:00 o 4:00 de la mañana solemos ser objeto constante de miradas de burla e incredulidad. En el entorno de trabajo y relaciones en el que me muevo abundan noctámbulos, no tanto habitantes de los Valles del Tuy.

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Sin embargo, a veces gozamos de fantásticas compensaciones contra tanta intolerancia. Fue mi caso en la madrugada de este domingo 7 de octubre, cuando encendí el televisor a las 3:30 am y coloqué RCTV Internacional, un canal de cable que, debido a la crisis económica que atraviesa, está desempolvando material de archivo para llenar horas de programación. Pues resulta que en la pantalla de TV de mi habitación se movía la obra de terror que más profundo impacto y pánico me ha causado en toda mi vida, que presencié una única vez en alguna noche entre 1980 y 1985 y cuyos fantasmas visuales y sonoros me ha perseguido por cerca de un cuarto de siglo: el unitario LA NOCHE DE LAS RATAS. Alcancé a grabar cerca de 30 minutos de invalorables imágenes con mi DVD Recorder.

Lamentablemente no me desperté a tiempo para los créditos iniciales, pero estoy casi seguro que detrás es este subproducto estuvo la mano de Robert Alonso, el hermano de María Conchita. Eran tiempos en los que películas como BEN, LA RATA ASESINA (1972) eran retransmitidas con gran éxito en la televisión nacional. Lo más admirable de LA NOCHE DE LAS RATAS es el pánico cósmico que logra transmitir con una absoluta economía de recursos y de argumento. Prácticamente no ocurre nada: el terror no se construye mediante la trama, sino con la repetición demencial y caótica de unas pocas imágenes y sonidos.

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En los créditos de agradecimientos alcancé a observar que este unitario se realizó con la colaboración de la Sociedad Protectora de Animales de La Vega.

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Una joven estudiante de Ingeniería (Caridad Canelón) debe pasar una noche cuidando una vieja casona en la que interactúan tres factores principales de miedo: 1. ratas grises de ojos rojos (que terminan siendo las buenas de la historia, a pesar de la percepción inicial); 2. un gato negro de ojos amarillos; 3. un apocalíptico retrato de un antepasado que usa peluca blanca tipo juez y capa de armiño.

Durante toda LA NOCHE DE LAS RATAS se usa como leit motiv sonoro el loop de un maullido mitad felino mitad humano. Estos dos últimos elementos (retrato-maullido) son específicamente los que jamás dejarán de perseguirme hasta el fin de mis días; y la sensación que me queda al publicar más abajo las fotos del cuadro del antepasado es que sobre este blog y mi persona caerá de ahora en adelante algún tipo de maldición.

Dilia Waikarán (creo que es ella), ama de llaves, ensaya un repertorio de gestos de espanto de la más clásica escuela stanislovskiana (?) Varias estampas de Caridad Canelón. Nótese la calculadora blanca en la foto de arriba a la derecha; y el detalle del termo de café de redondos blancos y verdes abajo a la izquierda.
Ojalá alguien pueda identificar al actor de engolada voz de la foto de abajo a la izquierda. Imagen subliminal con reminiscencias kukluxklanianas.

Las ratas hacen sonar una campana y salvan a Caridad Canelón.

En la foto de abajo, la imagen con la que termina el unitario. Jamás otra cosa me dará miedo.

Dios nos bendiga a todos.

Fútbol chimbo + jevita

Fíjese usted, qué llamativo: GRACIE (2007, director: Davis Guggenheim) es una película sobre una chica que juega fútbol, pero responde a casi todos los parámetros del cine para consumo de machos que describí en mi nota anterior sobre el western de vampiros BLOODRAYNE: DELIVERANCE, a pesar de lo distintas que son ambas películas. Y enumero:
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1. Hay varias escenas en las que la chica protagonista (Carly Schroeder) soporta rudas bromas pesadas machistas, inclusive de sus propios hermanitos menores.
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2. Hay una escena de sexo frustrada en la que la protagonista va a ser penetrada dentro de un automóvil por un chamo al que acaba de conocer (el papá represor la descubre... justo a tiempo para tranquilizar al espectador macho). Como en la mayoría de las películas con protagonistas femeninas heroicas, la chica no se aproxima al sexo realmente por auténtico placer, sino en este caso por transgresión a la figura paterna, por rebeldía hacia un entorno que no le permite jugar fútbol. Se le niega a la protagonista la posibilidad de tener sexo por el mero placer del sexo y ya.
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3. Hay por lo menos tres escenas en las que la chica es agredida brutal y alevosamente por futbolistas masculinos (codazos en la nariz, patadas en la cara, etc). En una de ellas, la más absurda, juega una caimanera y es empujada hacia un asfalto lleno de pedacitos de vidrio. EL NECESARIO PEAJE QUE DEBE PAGAR LA HEMBRA POR ENTRAR EN TERRENO DE MACHOS Y DESESTABILIZARLOS CON SU OSADÍA.

Fútbol y cine: una relación traumática. El cine sigue en grave deuda con el fútbol, y una de las razones es que es un deporte muy difícil de llevar a una pantalla de ficción, debido a las dimensiones monumentales del terreno y lo disperso de la acción (el fútbol americano y el beisbol también se juegan en campos enormes, pero la acción hombre-pelota/balón está más concentrada).

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En otros casos, ocurre que el director no sabe un coño de fútbol. Es el caso de este señorito de GRACIE, Davis Guggenheim. Y enumero fallas que ofenden al ojo del aficionado:

1. Es contraproducente que una chica juegue fútbol contra hombres. Lo ideal es que lo haga con otras chicas, aunque se entiende que GRACIE está ambientada en una época en la que no había fútbol femenino organizado en Estados Unidos como la superpotencia de este deporte que es hoy.

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2. El fútbol es un deporte no sólo de conjunto, sino de superioridad mental sobre el rival, y en todos los casos, de INTERACCIÓN SOCIAL CON (Y CONTRA) EL OTRO. Es absurdamente imposible que una persona de cualquier sexo se convierta en buena jugadora de fútbol entrenando sola, incluso ensayando 10.000 disparos a puerta (con pésima técnica, en el caso de GRACIE) o haciendo malabarismos de balón con el muslo. Se los digo por amarga experiencia propia como futbolista frustrado. Driblar a un contrario es algo que sólo se aprende jugando desde muy chamo en caimaneras callejeras, asimilando una astucia que sólo se gana a sangre y fuego en la calle. Y esos patéticos chistes que hacen los futbolistas sobre sus pipís en la ducha, lamentablemente, son esenciales para el esprit de corps.

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3. La brutalidad machista en GRACIE es excesiva. Es cierto, es un deporte rudo, (el fútbol es pa' hombres, dicen siempre los machos cerveceros de estadio), pero en esta película se exagera con un descaro en el que parece que la chica no está disfrutando realmente jugando fútbol, sino que está cumpliendo condena de trabajos forzados en Siberia. En fútbol, la técnica supera casi siempre a la fuerza bruta. Y también hay técnica para evitar lesiones.

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4. Y señor Guggenheim, por amor de Dios: en el fútbol, los suplentes no son designados con el partido en marcha, ni se sientan en el banquillo después de que el árbitro dio el pitazo inicial.

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COMENTARIO PARA FINALIZAR: por supuesto, la protagonista es perturbadoramente hermosa... aunque su apariencia está más en la tradición de la clásica futbolista sueca (las más bellas jugadoras del mundo, sin duda) que la estadounidense. De hecho, Carly Schroeder se me parece mucho a la sueca Anna Sjostroem, de quien me enamoré durante el Mundial de Fútbol Femenino Estados Unidos 2003.

Jugada de tunel en el gol decisivo de Gracie
El papá y entrenador personal de Gracie (Dermot Mulroney)... Se le puede jugar un quintico.

Western + Vampiros + Jevita

Nastassia Malthe: Angelina Jolie + Aura Ávila

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Los hombres pensamos con el pipí. Qué predecibles somos. Por eso caí facilito y termine comprando BLOODRAYNE: DELIVERANCE (director: Uwe Boll) después de ver varias veces esta caratula:

En realidad la carátula es una oferta engañosa que debería ser notificada al Indecu (igualito que la publicidad del Seniat que dice: "Si tramitas tu RIF en línea, la única cola que verás será la del mouse de la computadora"). No porque BLOODRAYNE: DELIVERANCE sea una película infame, ni mucho menos, sino porque la jevita protagonista (la noruega Natassia Malthe, una mezcla de Angelina Jolie con Aura Ávila) jamás usa ese top que se ve allí (regla: si quieres arrodillar a un pipí pensante, muestra la franja de piel ubicada entre ambos pechos), ni siquiera enseña el ombliguito y su vestuario es más bien recatadito.
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Es la segunda parte de una película de 2005, BLOODRAYNE, que como buen pipí pensante, también terminaré viendo: me apuesto 100.000 bolos a mí mismo. Esta parte 2 es un western siglo XIX entroncado con el género de vampiros. Natassia Malthe es Rayne, una Damphir, es decir, mitad humana mitad vampira, o explicado con toda crudeza: una humana víctima de violación perpetrada por un vampiro. El malo al que debe eliminar: Billy the Kid (Zack Ward), vampiro metrosexual con look David Beckham-después-de-la-quemazón.
Las películas protagonizadas por guerreritas endurecidas, caso de BLOODRAYNE: DELIVERANCE, responden a una serie de convenciones para deleite del macho pipí pensante que procedo a enumerar:
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1. La chica llega a la cantina llena de machos y escuchará un comentario machista, en este caso: "La mujer sólo sirve para dos cosas: hacerme la cómida y mantenerme el pipí caliente". Al tipo que lo dijo se lo tragarán los gusanos.
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2. Habrá una escena (minuto 61 al 63) en la que la chica seducirá (seguramente con un amago de striptease) a un macho al que esposará y hará creer que tendrán sexo, pero que terminará jodido y sometido. ESCENAS SIMILARES DE OTRAS PELÍCULAS: 1. ¿Recuerdan a Angelina Jolie, creo que en LARA CROFT 2, cuando parece que se va a quitar la toalla que la envuelve (me iba dando un infarto) y al final es puro paro? 2. ¿Recuerdan también a la Jolie en SEÑOR Y SEÑORA SMITH haciendo de una suerte de prostituta delivery-geisha-dominatrix vestida de negro con semerendo escote, y que también es un paro? (sufrí un ataque erectorio ídem, lo confieso). Sin embargo, el tema de la sexualidad de las heroínas cinematográficas merece un análisis aparte, porque a pesar de su apariencia sexy, suelen caracterizarse más bien por la represión carnal, por cierto trasfondo de amargura abstemia. Y la gata panza arriba de BLOODRAYNE no es la excepción. ¿Veremos algún día una agente 007 femenina que se divierta promiscuamente mientras lucha contra el mal? Lo dudo.
3. Y esto es lo más rudo de todo: es políticamente incorrecto lo que diré, pero los hombres que vemos este tipo de película sabemos que habrá una escena en la que la chica será brutalmente coñaceada y/o martirizada (en BLOODRAYNE, de los minutos 85 al 90). Y aunque no lo reconozcamos públicamente, los hombres vemos estas escenas dos o más veces. Nos perturban que jode.
Haciendo un análisis sicoanalítico, probablemente estas escenas responden al deseo subconsciente de castrar y castigar a la hembra que de alguna manera se ha emancipado o puesto en peligro la supremacía o estabilidad erótica del macho. EJEMPLOS: las palizas que se lleva Demi Moore en G.I. JANE, Lucy Liu cuando termina desnuda y colgada boca abajo del techo en RISE, del director venezolano Sebastián Gutiérrez, etc).
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Insisto, BLOODRAYNE 2 no me parece una película totalmente descartable. Una de las cosas poco tradicionales es que hay escenas bastante explícitas de muerte de niños. Y tiene algunos elementos humorísticos interesantes. Por ejemplo, el personaje del Predicador (Michael Eklund), un curita sexy e histriónico que se agarra la entrepierna mientras da los sermones en la iglesia. Y también Newton Pyles (Chris Coppola), un insoportablemente ladilla gordito periodista enviado por el Chicago Tribune, uno de esos reporteritos de la vieja guardia que anotan toda vaina en su libretica. Precisamente Coppola da pie a un diálogo de cierre que me pareció realmente brillante:
—Mr. Garret (uno de los buenos que se alían con Rayne): La vida es como un pene. Cuando está blanda, no sirve para nada.
—Newton Pyles con su libretica en la mano: ¡Debo escribir esa frase!
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Tarjeta de buhonero de DVD en la UCV (cortesía de Luz Elena Carrascosa):